Posts tonen met het label creatures. Alle posts tonen
Posts tonen met het label creatures. Alle posts tonen

maandag 24 februari 2014

Today's Review: Cloudy with a Chance of Meatballs 2



Cloudy with a Chance of Meatballs 2: ****/*****, or 7/10

Cloudy with a Chance of Meatballs remains an overlooked piece of animation from recent years. Maybe because it's not a Pixar movie, maybe because it doesn't have as distinct a style as the likes of Aardman or Laika's stop motion features, maybe it's because it does have a somewhat generic quality to it at first glimpse. That said, it's a blast of a film, a great joy from beginning to end. And apparently it did well enough at the boxoffice to spawn a successor, as Cloudy with a Chance of Meatballs 2 has now thundered into theaters.

Its title is a work of deception, aimed to convince audiences this is indeed a sequel. There's few meatballs to be found here, while the meteorological aspect has been toned down significantly. What remains is the characters from the first film, as well as the delightfully whimsical humour and offbeat visual design that characterized the previous movie. Though the directors of the original film decided to do The LEGO Movie instead, they left the project in the capable hands of people who understood and appreciated the quirky subject matter.

After his home island of Swallow Falls got covered in edible stuff during a giant foodstorm he partially caused, young inventor Flint Lockwood (Bill Hader) and his friends have relocated to the big city of San Franhosé, where Flint is now working for Live Corp, a big company of science enthusiasts created by his idol Chester V (Will Forte). While that firm is also attempting to clean up the island to make it livable for the human population again, strange things happen to the mop-up crew and Chester calls on Flint for aid. Against his mentor's advice, he recruits his friends, including his girlfriend Sam (Anna Faris) and his stern father (James Caan), to help him in his mission. To their astonishment, Swallow Falls has reverted to a wild, primordial jungle, inhabited by all manner of strange animals and plants, some friendly, others dangerous. And it's all made out of food. Exploring this new wilderness he inadvertently created, Flint finds that not all is as it seems and starts questioning his allegiance. Flint soon must choose between the side of science and cold reasoning or to stick to his irrational friends and family instead, as the two sides of himself prove at odds over the future of the island and its wildlife. 

 
Cloudy 2 swaps food weather for food animals. That's not a bad thing, as it avoids lazy repetition. No more zany weather patterns like spaghetti tornadoes, now we have 'foodimals' like shrimpanzees and hippotatomuses. It will come as no surprise that a lot of the jokes are provided by such play-on-words, some ingenious, others less clever. Nevertheless, the wonderful look of these beasties – including the cutest strawberries ever! – clearly shows the fun the animators must have had while designing this film. At the same time, the characters we came to know and love from the previous film are left intact. Sadly, not all of them are given their due, as the emotional core of the movie is personified by Flint's idol on one side and his father and girl on the other. The remaining supporting characters are doing just that, without contributing to the whole much. Though the energetic cop Earl and the multi-talented cameraman Manny are still good for a laugh or two, they could have been left out altogether, in favour of developing the new antagonist more closely. No mistake is made from the beginning on that the expert sillywalker Chester is the bad guy, though in the end, the motivations of his diabolical schemes leave something to be desired, considering his supposed intellect. Cloudy 2 can definitely be accused of putting more focus on the look of the film than on the development of its characters.

Such slights are easily forgiven, as the film provides an excellent second course in terms of visuals. The fabulous forests of foodstuff, the clinically clean Live Corp headquarters, the quirky cityscapes, it all looks delectable to behold. Whereas the beasts of the jungle are obviously Jurassic Park inspired, their dwelling place takes a note or two from Avatar's pages, adorned with bioluminescence and all manner of bizarre features. This visual feast definitely sets Cloudy 2 apart from its predecessor, which proved more simple and primitive in this regard, giving it a look and feel all its own. As the plot was inspired by JP, so too the eye candy is only loosely based on Cloudy 1, instead of merely carbon copying it.


The elaborate visuals notwithstanding, there's a thing or two to be said against the film's morality. Its message is one of ecological respect, speaking out against the rape of nature for the sake of making money. However, as cute as the foodimals may be, they remain aberrations. An ecosystem has formed on this island, but what of the original ecosystem that had to make place for it? Our heroes connect to these creatures, seeing them as more than food, because they have grown to be living, breathing entities. But what of the sardines they happily consume, which were living, breathing entities to begin with? Should they not also fall under the same category? Where do the protagonists draw the line in deciding which creatures to stand up for, and which to see as mere food? Uneasy questions like these are formed when they do not eat animals made of food, but teach them how to fish for normal lifeforms instead.

It seems such questions never occurred to the writers, as the story of Cloudy 2 is subject to the execution in terms of jokes and visual flair. The latter works its magic throughout, awing us with one spectacular sight after another and charming us with their inhabitants, both human and food. The former is good for a smile all through the piece: though the number of truly memorable jokes remains somewhat limited compared to the previous installment, most gags prove effective in the short bursts they seem designed for. If the first movie was the main course, Cloudy 2 is a fine dessert, a four-flavoured sorbet, comprised of your favourite taste, two others you like fine, and one you never really cared for.

zondag 15 september 2013

Today's Mini-Review: Riddick



Riddick: ***/*****, or 6/10

Belated third installment of the so-called 'Riddick trilogy', which started with the moderate hit Pitch Black (2000) and continued with the overly grandiose The Chronicles of Riddick (2004), like this film (which in some territories carries the ominous subtitle Dead Man Stalking) written and directed by David Twohy. Vin Diesel returns as the muscular Richard B. Riddick, a member of the enigmatic, near extinct humanoid race called Furyans that can see in the dark, is adept at survival against all odds and generally proves hard to kill. Nevertheless, Riddick's new army of followers he conquered at the end of the previous film tries to do just that, leaving him for dead on a barren world populated by all manner of vicious beasts, where he himself still reigns supreme as the most dangerous predator of all (as usual). Nevertheless, driven by his primal instinct to return to his homeworld, Riddick decides to let his continued existence be known via an emergency beacon on a vacant outpost, after which two different teams of bounty hunters arrive to hunt him down. One of these is out solely for money, with the clear intent of 'ghosting' their prey as he's worth twice as much dead as he is alive, while the other is on a mission of a more personal nature, led by a father who believes he once lost his son at Riddick's cold hands. The latter team also comes with Katee Sackhoff, almost reprising her seminal role as Battlestar Galactica's Starbuck playing a tough woman who takes crap from no man and is fully able to defend herself from everybody who dares to try. Gratifying as it is to see Sackhoff can still balance smart, strong and sexy, her character proves fairly redundant as she has no singular action scenes of her own, save for a brief suspenseful shower sequence, while she's plagued by being the butt of sexually intimidating jokes for most of the film. After Riddick has outwitted and caused the deaths of half of the men out for his head, as well as having made off with vital starship components which prevent the teams from leaving, he successfully convinces them to seize hostilities for a while as a huge storm front is sweeping over their heads and brings forth great scores of hungry carnivores that want a piece of all of them. Soon, it seems as though even Riddick will not make it out alive this time, but we as an audience know better of course.

For those who watched the trailer and wondered how the heck Riddick went from being a virtual emperor of the galaxy at the end of Chronicles of to a lone survivor on a desolate world at the start of Riddick, a narrative connection between the events of this film and its predecessor is all too briefly incorporated, as we are treated to seeing Karl Urban's Lord Vaako again for less than 60 seconds of screen time (a waste of a terrific actor!), despite the suggestion that the information he relays is crucial in some way: it would appear Twohy still has some sort of big pay-off in mind to close off what he started in the second film, but appearently he either didn't have the inspiration or the budget to treat that specific subject in this film, necessitating him to return to the tone and substance of the original. It all proves overly familiar territory, and often feels very much like an uninspired retread of Pitch Black, which also witnessed Riddick making an unlikely alliance with his enemies in order to escape the jaws and clutches of hordes of creepy creatures out for human blood on an inhospitable planet. Problem is, though Riddick ends up a fairly entertaining popcorn flick (especially for those who are new to the franchise), Pitch Black did it all better. It had more original visual design, less obvious digital monsters and made the character of Riddick feel more menacing and alien, while at this point we know exactly what to expect from his persona: a limited vocabulary, general growling and the usual bloodshed of (mostly unlikeable) characters standing in his way. Riddick sadly remains a one-note character played by an equally one-note actor. Now that Twohy has displayed there's just little more he can do with the Riddick character and the latter's coolness factor has decidedly worn off, this may be a good time to put an end to this franchise that so clearly was never meant to be a franchise, Twohy's hints at a fourth film not withstanding.



woensdag 24 juli 2013

Today's Mini-Reviews: giant robots, Kaijus and super-villains



Pacific Rim: ****/*****, or 7/10

Guillermo Del Toro's epic hommage to the Japanese 'Kaiĵu' movies, produced on a bigger budget than all such giant monster movies of the last fifity years combined. Del Toro obviously has a great love and respect for the genre, resulting in a very catchy action flick, undoubtedly the best American counterpart to its Japanese predecessors. One might almost say Hollywood has redeemed itself for the 1998 version of Godzilla, but such a statement had better be held back for another year, until the next American reboot of Godzilla hits theatres in 2014. In the meantime, Pacific Rim works well as an appetiter to the big G's resurrection. An extra-dimensional rift opens on the bottom of the Pacific and huge beasts come pouring out, wreaking havoc on mankind as they lay waste to cities and obliterate our armed forces. Humanity quickly sets aside its internal differences and joins forces in creating big robots to fight the creatures on their own terms. Piloted by a pair of human Avatars, these so-called 'Jaëgers' effectively combat the beasts, but the life of a Jaëger pilot as Del Toro reveals is filled with personal loss. When the monsters emerge ever more rapidly from the Breach, as it is named, Jaëger command develops an intricate and dangerous plan to halt the Kaiĵu threat once and for all. Del Toro briefly explores the history of the first Kaiĵu assaults and the development of their robotic antagonists and afterwards spends more time getting us invested in the human characters than is usual for this type of film. It does make the movie feel like its dragging its feet for a while, until he unleashes the action the audience craves with a vengeance, resulting in over an hour of nigh endless monster bashing. Unfortunately he cannot help but inserting a few characters that are supposed to deliver some much needed comic relief to make sure we don't take it all too seriously, but sadly these characters – stereotypical geeky scientists as ever we've seen them – are so mind-boggingly annoying (Charlie Day particularly) they make you wish for a Kaiĵu to step on them to end their endless whining. Del Toro's talents are beter suited in delving deeper into a world where Kaiĵus are not only a threat to world peace but also big business: toy companies produce action figures of them, creepy cults worship them and in Hong Kong, a 'Bone Town' is established, a black market for Kaiĵu products for shady purposes, similar to the disgusting existing South-East Asian trade in animal parts. Run by Ron Perlman (always a joy when paired with Del Toro), some of the funniest, wittiest and anatomically most unsettling scenes take place here. Though the dealings and the history of the Jaëgers are fleshed out to the fullest, their enormous alien adversaries, ever the most important ingredient in a Kaiĵu film, do remain somewhat underexposed by comparison. Unfortunately their motivations – they're really foot soldiers out to cause as much damage to mankind as possible, in order to pave the way for an invasion from their (smaller) intelligent overlords – remind us of the recent Shyamalan flop After Earth, a movie we'd rather forget entirely. Usually, Kaiĵu are more antiheroes than full-out villains, but Del Toro opts to keep them a simple threat to be wiped out instead of embuing them with a more sympathetic character like their forebears Gojira, Gorgo and Rodan, who were always the victim of human (nuclear) folly, transforming them into avenging gods to remind us of our place in the world. The movie is dedicated to Ray Harryhausen and Ishiro Honda, two people who only too well understood the need to layer their creatures and make them charm you so you feel more for them, but in this instance, Del Toro decided not to go with such wisdom. As a result, Pacific Rim at best is a highly likeable action flick, but not necessarily an apt lesson for western audiences into the true nature of the Kaiĵu genre. Then again, there's only so much you can do with the notion of giant robots bashing giant monsters. Let's say Guillermo gets as much out of that premise as we could hope for.




Despicable Me 2: ****/*****, or 7/10

Simply fun sequel to the animated surprise hit of 2010. Gru and his legions of minions are back, but no longer driven by the need to exact evil schemes on an unsuspecting world, as Gru (still voiced with a outrageously hilarious accent by Steve Carell) has taken to his role as a father figure for his three orphan girls Edith, Agnes and Margo quite seriously. The big question on the girls' minds of course is – much to Gru's chagrin – 'when will there be a surrogate mother too'? Apparently several thousand minions are not enough to fill that particular role, so Gru has to endure countless matchmaking on their part. Fortunately for him, he quickly finds himself abducted by agent Lucy (Kristen Wiig returning for the sequel, but voicing another character) of the AVL, the American Vampire League Anti Villain League, who means to recruit him to smoke out a threat to world peace apparently hiding in a shopping mall, potentially posing as one of many goofy shop owners. Gru hesitantly accepts the job, if only to escape his girls' endless romantic pestering. Needless to say, Lucy and Gru soon get romantically entangled while attempting to stop the outrageously stereotypically Mexican baddie El Macho (Benjamin Bratt) from completing his vile scheme to unleash thousands of vicious purple monsters (most of them harvested from Gru's own minions) on mankind. Though the plot leaves little room for narrative surprises, the infectious charm of the characters and a plethora of witty jokes for young and old make for a thoroughly enjoyable animated flick. As before, it's the endearing minions that steal the show – a fact that has already been confirmed to deliver them their own movie next year, which may not be such a good idea – but thanks to the effective emphasis on Gru's own plot line, including a flashback to his youth which is both sad and superbly funny, it also becomes ever more evident just what a droll character he is himself, considering he spends most of his time without his minions and vice versa, while the movie doesn't end up either boring or less hilarious whenever either party takes center stage (also thanks to Wiig's obvious enthusiasm). Though more attention on an original plot would be welcome for the unavoidable next installment, I can unabashedly say I'm looking forward to a Despicable Me 3 regardless. Preferably with both Gru and minions together once more instead of one or the other.

dinsdag 1 januari 2013

Review - Silent Hill: Revelation 3D

Happy New Year everybody!

Still offline unfortunately. My own computer continues to undergo attempts at repair (or so I hope) at the store where I bought it from, a process that isn't going as smoothly as it might have gone because of the interruptions caused by the Holidays. Hopefully I'll be able to pick it up tomorrow so I can return to update my blog as often as it ought to be updated, instead of by the low frequency of late. Of course, I haven't fully idled my time away (though that is one of the reasons we have holidays, if I understand correctly) and I managed to be present at yet another press screening, particularly of the horror flick Silent Hill: Revelation 3D, my (not all too positive) thoughts on which can be found here:

http://www.moviescene.nl/p/142990/silent_hill:_revelation_3d_-_recensie



Hope to be back soon. After all, the excellent (in terms of movies) year 2012 has made way for 2013, which also looks to witness its fair share of good - and not so good - films over which I hope to share my feelings. Plus, there's all the usual year-gone-by backlash, as we can finally settle the score on which 2012 movies rocked abs and which sucked ass. There's plenty of both as we have seen, and I hope to be able to discuss it all in the not too distant future. If technology will allow me...

woensdag 25 juli 2012

The Movie Stars which were Visual Effects, Part 2


Another slow week for watching films. I have yet to see The Dark Knight Rises (shame on me, I know), but I'm experiencing its effects firsthand at work (though it's not nearly as bad as in America). I'll get to see it soon enough no doubt. At home I'm currently screening Community, which I feel is kinda like the audiovisual televised equivalent of rootbeer in the classic DS9 sense. So with things going slow, I decided to take the opportunity to return to what I started last week and continue posting my article entitled The Movie Stars which were Visual Effects: Early Stop Motion and Realism. I'm not one to keep unfinished business in such a state of being after all.
Before though, there's just one little thing I need to share, which concerns a comment regarding the upcoming Expendables 2 printed in the last issue of Preview Magazine, which in hindsight turned out so awkward it shows just how precarious a film critic's job can be (though the level of criticism in Preview Magazine has seriously deteriorated over the last few years in favor of mindless commercialism: unsurprisingly, with the Pathé Theaters company now financially backing the magazine). The quote (in its original Dutch, but you'll get the meaning in English too) is this:

'Wij zijn vast onze A A12-shotgun aan het poetsen en onze messen aan het slijpen on guns blazing de bios in te rennen.'

Oops! They'll be sure to be less straightforward with such comments next time! And then there's the dark irony concerning the 'Ultrakort' short films attached to various big movies of the next few weeks (including The Dark Knight Rises), with one of their number carrying the title Aurora. Yikes! Maybe the media are subconsciously driving members of the general public to shocking acts of violence after all... however, I'll continue to refuse such claims. The Dark Knight (rated '16' in the Netherlands) has been watched by nigh a billion spectators worldwide, and so far only one of them got the urge to dress up like the Joker and kill people for a midnight screening of The Dark Knight Rises (rated '12' in the Netherlands, so less violent). Folks blaming massacres like these on movies are pointing fingers to easy scapegoats, instead of where attention should really be directed at: lousy gun laws. Wake up, America!
Anyway, stop motion. I don't think it has ever killed people or driven someone to kill others.


Chapter 2: from A Prehistoric Tragedy to The Lost World

In tegenstelling tot Méliès had Willis O’Brien geen achtergrond in het theater of het illusionisme. Alvorens zijn talenten in de filmindustrie in te zetten was hij werkzaam als beeldhouwer en tekenaar; zijn kwaliteiten in de beeldende kunst bleken onmisbaar voor zijn latere werk als stop motion animator. Het hielp hem bij het schetsen en grafisch ontwerpen van de modellen die in zijn eerste films optraden (voor latere films, zoals The Lost World, besteedde hij dat werk uit aan Marcel Delgado, terwijl hij zich zelf hoofdzakelijk op het animatieproces richtte).
Het is onbekend of O’Brien ooit één van de vroege stop motion animation filmpjes die hierboven genoemd worden heeft gezien. Het is niet uitgesloten, maar over het algemeen wordt aangenomen dat hij zelf op het idee van de techniek kwam in 1915, toen hij experimenteerde met modellen van boksers en zich afvroeg hoe het er op film uit zou zien.1 Na een experimenteel filmpje met een boksgevecht tussen klei-figuren te hebben geschoten, werkte O’Brien het concept van klei-animatie verder uit en in 1915 produceerde hij een filmpje genaamd The Dinosaur and the Missing Link: a Prehistoric Tragedy (USA: Willis O’Brien, 1915). Hij presenteerde het aan de Edison Company: onder de indruk van dit proces, dat O’Brien aanduidde als ‘animation in depth2, werd hij ingehuurd om enkele soortgelijke korte films over de prehistorie te vervaardigen, waarbij hij gebruik bleef maken van klei-figuren, en later rubber modellen, om de in dit werk geschetste prehistorische wereld te creëren.3 Met weinig ervaring in de filmindustrie maakte O’Brien vanaf begin af aan al gebruik van de stop motion animation die kenmerkend voor zijn oeuvre zou worden: niet voor niets wordt hij als de grondlegger van stop motion beschouwd, hoewel al is gebleken dat hetzelfde principe al eerder door anderen werd toegepast. O’Brien specialiseerde zich echter uitsluitend in stop motion films. In deze films (en de films die hierop volgden) toont O’Brien een volledig artificiële wereld, waarin geanimeerde holbewoners en geanimeerde prehistorische wezens samenleven en in komische situaties terechtkomen. De films zijn niet serieus bedoeld, maar een stop motion versie van getekende cartoons als Gertie The Dinosaur (1914). Waar Méliès zijn stop motion inzette als trucage voor situaties in de echte wereld, gebruikt O’Brien het hier om een fantastische wereld te tonen die volledig kunstmatig is en ook niet claimt reëel te zijn. Desondanks was men onder de indruk van de “levensechte” kwaliteit van zijn animaties: een recensie van The Dinosaur and the Missing Link in The Moving Picture World omschreef de animaties als ‘startling and amusing at the same time. The grotesque manikens are curiously human in their movements’.4 De animatie heeft hier echter niet als doel zodanig realistisch te zijn dat het publiek zich afvraagt ‘hoe men dat gedaan heeft’, maar is een hulpmiddel voor een narratief dat eindigt in een grap. De holbewoners zijn voor dit doeleinde te overduidelijke poppen, met koddige bewegingen en een cartoonesk uiterlijk (hiervoor putte O’Brien ongetwijfeld uit zijn ervaring als cartoonist). Hetzelfde geldt voor de dieren, die minder gedetailleerd en schattiger zijn dat hun opvolgers uit O’Briens latere werk. Realisme is niet het doel in dit vroege werk, het straalt eerder surrealisme uit. Een voorbeeld is te vinden in een tweede filmpje uit 1916, R.F.D. 10,000 B.C (USA: Willis O’Brien, 1916), waarin een prehistorische postbode overspel pleegt met de vrouw van een holbewoner en daarom gewelddadig doormidden wordt gehakt: zijn bovenlijf belandt in een boom, waarna zijn benen op zoek gaan naar de rest van zijn lichaam. Aangekomen bij de boom sommeert het bovenlijf de benen omhoog te springen, waarna de twee helften in de lucht weer aan elkaar gezet worden. Een extreme gag, waarop realisme klaarblijkelijk niet van toepassing is. O’Briens shorts voor Edison zitten vol met dergelijke situaties en zijn duidelijk komedies, zij het op een andere manier uitgevoerd dan men tot op heden gewend was. Desondanks hanteren de filmpjes een vergelijkbare cinematische stijl als andere films in die tijd, compleet met intertitles en close-ups voor emotionele momenten (ongeacht de simplistische gezichtsuitdrukkingen van O’Briens holbewoners).
The Dinosaur and the Missing Link werd opgevolgd door meer soortgelijke shorts waaronder Prehistoric Poultry (USA: Willis O’Brien, 1916) en Curious Pets of Our Ancestors (USA: Willis O’Brien, 1917) waarin O’Brien de cartooneske trend voortzette.5 In 1918 veranderde hij van toon met The Ghost of Slumber Mountain (USA: Willis O’Brien, 1918), een film die niet alleen veel langer was dan de korte films die hij voor Edison maakte6, maar waarin ook op een meer serieuze manier gebruik van stop motion werd gemaakt. Vanwege kritiek op de cartooneske stijl waarin hij zijn dinosauriërs in zijn vorige werk weergaf besloot hij vanaf nu aan zijn wezens zo anatomisch correct mogelijk te portretteren, beginnende met deze film.7 Deze beslissing markeert de significante overgang van stop motion als charmante vorm van trick photography (tot nu toe alleen toegepast in niet serieuze films van zowel Méliès als O’Brien zelf) naar serieuze methode voor het realistisch weergeven van het onmogelijke. Deze nieuwe drang naar realisme ging O’Brien aanvankelijk niet gemakkelijk af: de dinosauriërs in The Ghost of Slumber Mountain waren qua beweging en stijl houterig en traag, meer dan de energieke animatiestijl die hij in de Edison-filmpjes hanteerde. Desondanks slaagde O’Brien erin om de creaturen meer als echte dieren dan als animatiekarakters neer te zetten door hun natuurlijk gedrag toe te schrijven: een prehistorische loopvogel vangt een slang, een Triceratops-paar gaat een gevecht aan en een Tyrannosaurus doodt een prooi. O’Brien mengde dit natuurlijk gedrag met spektakel; een grazende Brontosaurus alleen is immers maar saai, realistisch drama is nodig om het publiek geboeid te houden. Hij slaagde in deze opzet, want The Ghost of Slumber Mountain werd een bescheiden kassucces. O’Briens stap van korte surrealistische komedies naar cinematisch spektakel bleek succesvol.
Desondanks hield O’Brien in The Ghost of Slumber Mountain de echte wereld en zijn fantastische geanimeerde wereld gescheiden. Het verhaal accommodeerde deze scheiding: de protagonist van de film ziet de prehistorische wereld door een magische telescoop, maar komt er zelf niet in terecht. Hoewel dit de eerste keer was dat O’Brien echte mensen in een film toonde, delen zij en de geanimeerde dinosauriërs in de loop van de film nooit het scherm, zelfs niet op het einde wanneer de Tyrannosaurus door de magische barrière breekt en de protagonist direct bedreigt. Als dit gebeurt wordt hij wakker en komt hij erachter dat zijn observaties van de prehistorie in een droom plaats hebben gevonden. O’Briens fantastische werk blijft ook in de diëgese van de film behoren tot het rijk der fantasie.


 Voor zijn volgende, zeer ambitieuze, project veranderde O’Brien deze tactiek. The Lost World draait om een groep ontdekkingsreizigers die op een Zuid-Amerikaans plateau een prehistorische wereld aantreft en er gevangen raakt waarop deze mensen moeten zien te overleven in een land vol woeste dinosauriërs. In een dergelijke situatie is een treffen tussen mens en monster niet uit te sluiten, waarop O’Brien een manier moest verzinnen om zijn animaties met acteurs het scherm te laten delen zonder de illusie te doorbreken: zijn wezens moesten niet herkenbaar zijn als de modellen die zij eigenlijk waren, maar zo realistisch mogelijk zijn en de massa en levendigheid van echte dinosauriërs uitstralen.
Voor dit doeleinde vond O’Brien een manier van splitscreening uit waarbij afzonderlijk gefilmde elementen, live-action en stop motion (in dit geval dus de acteurs en O’Briens animaties) in eenzelfde filmframe geplaatst konden worden zodat zij op hetzelfde moment op dezelfde plaats leken te zijn. Dit was geen eenvoudige opgave en een enorme stap voorwaarts vergeleken met zijn vorige film, waarin de animatie beperkt bleef tot tafels gevuld met oerwoud-minitiaturen en de acteurs in een afzonderlijk shot gefilmd werden op een locatie die niet eens leek op een oerwoud. In The Lost World moesten de omgevingen waarin de acteurs en de modellen zich bevonden naadloos op elkaar aansluiten. O’Brien hield het eenvoudig en splitste in zijn nieuwe techniek het onderste deel van het frame af van het bovenste deel, waarin één deel bevolkt werd door de animaties en het ander door de set en de acteurs. In het overgrote deel van de shots waarin hij deze splitscreen techniek toepast bevinden de dinosauriërs zich in het bovenste gedeelte van het frame, om hen de impressie van grootte te geven tegenover de acteurs, die veel kleiner in het onderste gedeelte van het frame geplaatst werden.8 Zo kon hij deze techniek dus ook als hulpmiddel voor het realisme van zijn stop motion toepassen.
Hoewel mens en model nu dus in hetzelfde shot te zien waren, blijft de film verstokt van directe interactie tussen beiden. De dinosauriërs en mensen gaan elkaar niet direct te lijf, het blijft beperkt tot stop motion gevechten van monsters tegen monsters, met de acteurs doorgaans als passieve toeschouwers die zulke spektakels gadeslaan. Er worden geen mensen gedood of opgegeten, dus shots waarin mens en animatie in direct contact met elkaar zijn, zijn niet noodzakelijk. In deze context waren de scènes in Londen aan het eind van de film waarin een op hol geslagen Brontosaurus de stad teistert extra gecompliceerd. Ook hier wordt gebruik gemaakt van splitscreening, waarin het directe contact van de Brontosaurus als hij tussen de massa vluchtende mensen loopt verdoezeld wordt onder een nevelachtige laag tussen beide delen van het frame, die impliceert dat het dier over de Engelse mist of smog torent, en bovendien extra atmosfeer aan de scène geeft. Zo wordt de schijn gewekt dat het dier tussen de mensen door banjert en daarbij ongetwijfeld mensen vertrapt, maar krijgen we het net niet te zien (waardoor de beelden ook niet te schokkend overkomen op het publiek). Voor die paar shots waarin interactie tussen mens en monster getoond wordt is geen gebruik gemaakt van stop motion: in het shot waarin een aantal voorbijgangers overhoop wordt gekegeld door de staart van de dinosaurus gebruikte men bijvoorbeeld een full scale staart.9 

 Hoewel de illusie van een wereld bevolkt door dinosauriërs en mensen voor de oplettende toeschouwer misschien tekort wordt gedaan door een gebrek aan interactie tussen beiden, gaf O’Brien zijn modellen de nodige karaktereigenschappen en realistische effecten mee. In een poging hun natuurlijk gedrag zo precies mogelijk na te bootsen doen de creaturen wat echte dinosauriërs gedaan zouden hebben, tot aan ademen toe (dit effect werd bereikt door luchtzakken in de modellen te plaatsen die met lucht gevuld en geleegd konden worden via onopmerkzame buizen in het model). O’Briens oog voor detail blijkt overduidelijk uit close-ups van kwijlende dinosauriërs en bloedende verliezers van prehistorische gevechten. Door zulke toevoegingen, waarvan hij zich in The Ghost of Slumber Mountain nog niet bediende, werd het publiek overrompeld door het hoge realistische gehalte. Scott MacQueen, filmhistoricus en supervisor van de restauratie van The Lost World merkt op:

Attention to detail made O’Brien’s lost worlds real places, just as his concern for the interior lives of his beasts endowed them with personalities and character tics that made them believable and alive.10

The Lost World werd een groot succes, en de meeste aandacht van het enthousiaste publiek ging naar de vraag hoe men dit voor elkaar gekregen had. De technieken werden destijds echter niet publiekelijk gemaakt om de illusie voor mensen niet te verknoeien en te zorgen dat er geen illegale versies gemaakt werden door kleine producers die een graantje mee wilden pikken van het succes. Door deze geheimhouding werd er door sommige mensen de suggestie geopperd dat het hier om echte dinosauriërs ging. Sir Arthur Conan Doyle, de auteur van het boek waarop de film The Lost World gebaseerd was, toonde al in 1922 een test reel van O’Briens stop motion aan de Society of American Magicians, onder leiding van Harry Houdini, waarbij hij de indruk wekte dat de op het scherm getoonde dinosauriërs echt waren. De grap liep enigszins uit de hand aangezien zijn publiek zo overweldigd was door het realisme van de scène dat de New York Times de dag daarop een artikel publiceerde onder de kop ‘Dinosaurs Cavort in Film for Doyle: Spiritist Mystifies World-famed Magicians with Pictures of Prehistoric Beasts, Keeps Origin a Secret’. Doyle gaf later toe dat het om special effects voor een filmversie van zijn boek ging (wat de nodige gratis publiciteit voor The Lost World en O’Briens werk opleverde)11, waarbij hij verklaarde:

The dinosaurs and other monsters have been constructed by pure cinema, but of the highest kind […] to provide a little mystification to those who have so often and so successfully mystified others. And now, Mr. Chairman, confidence begets confidence and I want to know how you got out of that trunk.12

De laatste opmerking is een duidelijke sneer naar Doyle’s vriend Houdini die hem altijd in het duister liet tasten over de precieze technieken achter zijn trucs als illusionist. Een echte illusionist vertelt zijn geheimen immers niet, en hetzelfde gold in deze tijd voor een effectsartiest in de filmindustrie. Echter, dat een publiek bestaande uit professionele illusionisten de indruk werd gewekt dat het hier om echte beelden ging zegt heel wat over de realistische kwaliteiten van O’Briens werk! Als zelfs illusionisten al overdonderd waren door deze special effects is het niet uitgesloten dat er waarheid zit in Pinteau’s uitspraak dat ‘het publiek in 1925 de eerste realistische dinosauriërs ooit gefilmd’ te zien kreeg.13 De New York Times omschreef de film als ‘an effort likely to provoke a great deal of discussion, as the movements of the dummies appear to be wonderfully natural’.14 Desondanks was niet iedereen onder de indruk, zoals blijkt uit de volgende uitspraak uit een recensie van de film in het Britse Kine Weekly:

The reproductions of animals are good, but, as is only expected, somewhat mechanical. There is hardly enough scope allowed for size comparisons except in the London scenes.15

Uit dit citaat blijkt dus dat de meningen over de special effects verdeeld waren, maar over het algemeen zijn de bronnen het erover eens dat het merendeel van de toeschouwers onder de indruk was van O’Briens werk.
Was O’Brien de enige die in deze periode gebruik maakte van stop motion photography? Dat niet, maar hij was wel de meest prominente en productieve vertegenwoordiger van de techniek. Vergelijkbaar materiaal uit deze periode is nauwelijks bewaard gebleven, met één uitzondering. In 1923 verscheen in de reeks Pathé Review films een short genaamd Monsters of the Past, een korte film die qua opzet vergelijkbaar was met O’Briens werk in The Ghost of Slumber Mountain, een realistische weergave van enkele dinosauriërs via stop motion. De animatie was houterig en star (eveneens vergelijkbaar met The Ghost of Slumber Mountain) en de modellen misten detail en karakter, maar de short geeft aan dat, misschien geïnspireerd door O’Briens werk, ook anderen experimenteerden met stop motion animation. De naam van de animator is Virginia May16, maar ander werk is van haar niet bekend. De film toont uitsluitend stop motion dinosauriërs, geen acteurs of geanimeerde mensen.17


1 Rovin, Jeff. From the Land Beyond Beyond: the films of Willis O’Brien and Ray Harryhausen. New York: Berkley Windhover Books, 1977: p. 7
2 Rickitt, Richard. Special Effects: the history and technique. New York: Billboard Books, 2000: p. 150
3 Pinteau 2004: p. 220
4 Rovin 1977: p. 11
5Rovin maakt melding van een totaal van 10 van zulke shorts. Rovin 1977: p. 23. Een aantal hiervan is helaas verloren gegaan, dus de mogelijkheid bestaat dat het er meer waren.
6 De film had oorspronkelijk een lengte van ongeveer 90 minuten, terwijl zijn vorige werk nooit langer was dan 10 minuten. Om onduidelijke redenen monteerde de producer, Herbert Dawley, de film echter tot een lengte van slechts 19 (!) minuten. Het verwijderde materiaal is verloren gegaan. Rovin 1977: p. 12
7 O’Brien schakelde onder andere de hulp in van een deskundige van het American Museum of Natural History. Rovin 1977: p. 11-12 / Schechter & Everitt 1980: p. 155. Ook tegenwoordig is het niet ongebruikelijk in de filmindustrie om deskundigen van wetenschappelijke disciplines om hulp te vragen voor een zo realistisch mogelijke weergave van fantastische wezens. Als voorbeeld kan paleontoloog Jack Horners deelname als ‘scientific consultant’ aan de Jurassic Park films dienen. Ook in dit opzicht kan O’Brien dus als prototypisch voor de effectsindustrie beschouwd worden.
8 Als uitzondering kunnen hier de shots van de gewonde Brontosaurus dienen, die na een val van een klif in een modderpoel ligt. De ontdekkingsreizigers zien hem liggen en kijken hierbij op hem neer in een scène waarin zij het bovenste gedeelte van de shots bevolken en de gevallen Brontosaurus het onderste. Dit gebruik van de splitscreen techniek krijgt extra diepgang als in de scène besloten wordt de Brontosaurus als trofee mee naar Engeland te nemen, waarop deze shots dienen als metafoor van de triomf van de mens over het monster: de mens staat als overwinnaar letterlijk boven de dinosauriër.
9 Rickitt 2000: p. 153
10 Citaat is aan te treffen onder het bonusmateriaal van de Lumivision DVD uitgave van The Lost World.
11 Deze beroemde anekdote wordt door meerdere auteurs aangehaald, oa. Rickitt 2000: p. 151-152 / Schechter & Everitt 1980: p. 158 / Rovin 1977: p. 17. RKO Production 601: the Making of ‘Kong, the Eighth Wonder of the World’ (een uitgebreide documentaire over King Kong op de 2-disc special edition van de film (uitgave Warner Bros., 2005)) maakt er eveneens melding van. De inleiding van dit paper begint met een vermelding van een soortgelijke anekdote die ik ooit hoorde als kind. Het is mogelijk dat dit dezelfde anekdote is (in welk geval het feit van haar bestaan bevestigd is), maar zeker weten doe ik het niet.
12 Citaat is aan te treffen tussen het bonusmateriaal van de Lumivision DVD uitgave van The Lost World.
13 Pinteau 2004: p. 222
14 Rovin 1977: p. 25
15 Brosnan 1974: p. 152-153
16 Dit claimt IMDb, op de DVD van The Lost World wordt gemeld dat de artiest onbekend is.
17 Ook deze short is aan te treffen op het bonusmateriaal van de Lumivision DVD uitgave van The Lost World. De precieze titel is Pathé Review ,Vol. 40, # 27: Monsters of the Past.

dinsdag 17 juli 2012

The Movie Stars which were Visual Effects: Early Stop Motion and Realism

I'm still on vacation - i.e. sitting at home and watching telly; can you blame me with this weather? - and haven't taken the time to go and watch any new movies to review yet (something I hope to remedy in the next few days). I've been expanding the Movie Archives on an almost daily basis, covering the B and starting with C, but you'll notice little of that on the main page. Since I believe in the necessity and inevitability of change (and could use a break from writing mini-reviews), I thought I'd might as well dust of one of my old papers and post it here, thus also expanding the Article Section. So here's the first episode of a three-part miniseries concerning early stop motion and the matter of realism. It's a fun little paper, one I had almost forgotten about. But it's definitely a must-add to my blog, and I hope you enjoy it. As I remember it got a pretty good grade too. Oh, the memories!


Inleiding

Ooit hoorde ik een anekdote over The Lost World (USA: Harry O. Hoyt, 1925): er werd verteld dat de dinosaurussen in de film door het publiek als levensecht werden beschouwd en de mensen zich afvroegen waar deze dieren vandaan kwamen. In een enkel geval viel iemand flauw bij de aanblik van de woeste Tyrannosaurus in de film. Of dit waar is of niet is mij niet bekend. Het verhaal is vergelijkbaar met de anekdote over de mensen in het publiek die angstig wegvluchtten voor de naderende trein in L’arrivée d’un train à La Ciotat (Frankrijk: Auguste en Louis Lumière, 1896), wat uiteindelijk niet waar bleek te zijn. Als de anekdote over The Lost World echter waar is zegt dit iets over het realisme dat men door middel van stop motion animatie kon, of probeerde te, bereiken in deze en andere films uit de vroege periode in de filmgeschiedenis.
De verhouding tussen realisme en vroege stop motion is wat ik in dit paper wil onderzoeken. Het proces werd (en wordt soms nog) gebruikt in fantastische films om onmogelijke dingen te verwerkelijken. Desondanks is het in de ogen van een hedendaags publiek, dat verwend is met de luxe van Computer Generated Imagery, nooit realistisch, maar overduidelijk met poppen gedaan. Hoe keek het publiek er vroeger echter tegenaan? Werd het echt als realistisch beschouwd? Of was men op de hoogte van het feit dat het slechts modellen waren?
Het is moeilijk zoveel jaren achteraf nog antwoorden te vinden op zulke vragen. Desondanks zal ik hier een poging wagen. Mijn onderzoeksvraag luidt als volgt:

In welke mate werd stop motion animatie in de vroege cinema beschouwd als realistisch?

Centraal in mijn studie zal de relatie tussen stop motion en realisme staan, maar ik zal ook aangeven welke plaats stop motion aannam tussen andere vroege filmeffecten. Een andere vraag waar ik zal trachten een antwoord op te geven is met welk doel stop motion aanvankelijk gebruikt werd voor de cinema. Hoe groeide het uit tot een zeer aanvaardbare manier van effectenwerk dat onmogelijkheden in de realiteit mogelijk maakt op het scherm?
In zal mij in dit paper hoofdzakelijk concentreren op het werk van Willis O’Brien (1886-1962), de voornaamste pionier van vroege stop motion, en in mindere mate op stop motion in trick films van George Méliès (1861-1938), hoewel deze laatste niet of nauwelijks gebruik maakte van puppet animation zoals O’Brien dat deed, maar andere vormen van stop motion benutte voor andere doeleinden. Bovendien zal ik mij beperken tot de periode die loopt van 1895 tot 1933: in het laatste jaar werd King Kong (USA: Merian C. Cooper en Ernest B. Schoedsack, 1933) uitgebracht, ongetwijfeld het grootste meesterwerk dat ooit gebruik maakte van stop motion, en als zodanig een film die goed aangeeft tot welk realistisch niveau stop motion in staat is. Uiteraard zijn er anderen die in deze periode gebruik maakten van stop motion (hoewel niemand zo veelvuldig als O’Brien) en werd het ook na 1933 nog frequent gebruikt (onder andere door de grootmeester van de techniek, Ray Harryhausen), maar aangezien dit paper van beperkte omvang is wil ik mij niet verliezen in een al te brede bespreking van het onderwerp, maar richt ik mij hoofdzakelijk op het hier afgebakende gedeelte van het stop motion terrein.


Hoofdstuk 1: realisme, trick films en Méliès

Alvorens in te gaan op stop motion is het noodzakelijk eerst kort mijn definitie van het concept ‘realisme’ te geven. Wat versta ik in dit paper onder deze term? De inhoud van het begrip ligt in deze scriptie in de wisselwerking tussen stop motion als animatietechniek enerzijds en het weergeven van de werkelijkheid (of een werkelijkheid) anderzijds. De interactie tussen mens (zij het geanimeerd of van vlees en bloed) en stop motion monster en de mate waarin zulke interactie natuurlijk en ongeforceerd aanvoelt, daarop zal ik mij richten wanneer in spreek van realisme in deze scriptie.
Dikwijls wordt beweerd dat vroege cinema zich concentreerde op het op beeld vastleggen van gebeurtenissen die zich voor de camera afspeelden. Dit is zo, maar vaak waren zulke gebeurtenissen in scène gezet met als doel vastgelegd te worden. Dit is dus niet het weergeven van de realiteit, maar van een schijnwerkelijkheid, die de realiteit nabootst. Special effects werden (en worden nog steeds) toegepast als hulpmiddel voor het creëren van een dergelijke schijnwerkelijkheid. Ook stop motion is hiervoor een hulpmiddel. Hoe ingenieuzer de special effects, hoe fantastischer de realiteit in de film; al in de vroege cinema namen realiteiten in films dankzij special effects een ongelooflijke vorm aan die in de alledaagse wereld niet daadwerkelijk kan bestaan.
Zulk gebruik van vroege special effects vind men in de trick films, een categorie films die draaide om fantasie en hiervoor effecten, waaronder vroege stop motion, inzette om het publiek versteld te doen staan van de illusies die de films opvoerden. Hierbij hoefde niet eens gebruik gemaakt te worden van een narratief, het ging hoofdzakelijk om de effecten zelf. Het was een onderdeel van de ‘cinema of attractions’, de vroege cinema die draait om het visuele plezier van het publiek, van de toeschouwer voor wie het hele idee van bewegend beeld op zichzelf al fantastisch was. Trick photography, het manipuleren van de camera en/of de film voor het scheppen van illusies1, was de cinematische versie van theatraal illusionisme, waarin de kijker op het verkeerde been gezet wordt en verrast wordt door de trucages. Daarbij hoeven de trucages niet in dienst te staan van een verhaal, hoewel dat in de loop der jaren, naarmate het filmpubliek veeleisender werd, wel het geval werd in de cinema. Het is niet verrassend dat zich onder de pioniers van de cinema mensen bevonden die een achtergrond hadden in het illusionisme. 

  
Een van de eerste filmmakers die aanvankelijk werkzaam was in het theater maar omschakelde naar film en haar potentieel was George Méliès, die zich voornamelijk richtte op trick films, en trick photography voor narratieve doeleinden gebruikte. Méliès maakte op grote schaal gebruik van trucages, om bijvoorbeeld het idee te geven dat objecten van grootte veranderden of simpelweg verdwenen. Door middel van zulke effecten schetste Méliès verhalen waarin mensen in de meest fantastische en wonderbaarlijke situaties terecht kwamen, van ruimtereizen (zoals in Le voyage dans la Lune (FR: George Méliès, 1902)) tot diepzeeduiken (zoals in Le voyage à travers l'impossible (FR: George Méliès, 1904)). Méliès toonde het publiek een werkelijkheid en manipuleerde deze door middel van special effects, om het verhaal een fantastische richting in te sturen. Van groot belang was hierbij de montage, waarin hij gebruik maakte van onder andere ‘superimpositions’, ‘dissolves’ en ‘time-lapse’. Hoewel zulke special effects in wezen in dienst stonden van het verhaal in het merendeel van zijn films, vormden ze desondanks zelf de grote attractie. De verhaallijnen in de films werden als charmant ervaren, maar het waren de trucages die het publiek zich deed afvragen ‘Hoe doen ze dat?’. Zoals het een echte illusionist betaamt liet Méliès het publiek ernaar raden. Hij was een theatrale showman die zijn trucages, waar het immers allemaal om draaide, niet verklapte.2
Hoe zit het met stop motion in Méliès’ werk? Het was voor hem slechts één van de vele beschikbare special effects, en hij maakte er niet op zodanig veelvuldige wijze gebruik van dat het typerend voor zijn oeuvre genoemd kan worden (in tegenstelling tot latere pioniers als O’Brien en Harryhausen, in wiens geval stop motion hun ‘trademark’ is). Hierdoor is het wel aanwezig, maar niet in opvallende mate. Hij gebruikt het voornamelijk in ‘stop substitution’, een techniek waarbij de camera filmt, stilgezet wordt, en vervolgens weer verder filmt, terwijl men in de tussentijd de mise-en-scène veranderd heeft: zo kan de filmmaker het publiek laten geloven dat er in een oogwenk iets veranderd is binnen de realiteit die de film presenteert. Deze techniek is niet hetzelfde als stop motion animation, de techniek die in deze scriptie de boventoon voert. Hierbij maakt men gebruik van modellen die men frame voor frame beweegt om zo de illusie van beweging op te wekken. Het principe is echter gelijk, de verandering van frame tot frame binnen een film voor doeleinden die zonder de techniek onmogelijk zijn. Volgens dit gegeven liet Méliès een skelet veranderen in een levende vrouw in Escamotage d'une dame au théâtre Robert Houdin (FR: George Méliès, 1896). In deze zeer korte film (plusminus 30 seconden), die zijn eerste film met special effects erin was3, maakt hij gebruik van stop motion wanneer hij zichzelf - hij gebruikte zichzelf in zijn eerste films dikwijls als hoofdrolspeler - toont terwijl hij een doek over een stoel hangt, waarbij eerst een skelet verschijnt, en na de doek een tweede keer gebruikt te hebben er een vrouw onder vandaan komt.4 De hele scène is frame voor frame in elkaar gezet, waardoor de bewegingen van Méliès nogal houterig en onrealistisch overkomen. (Dit is het grote argument tegen het realisme van stop motion, dit effect van strobing: de animatie lijkt houterig omdat de toeschouwer de individuele posities van de modellen ziet als individuele posities in plaats van één vloeiende beweging wat het gesuggereerd wordt te zijn.5 Dit effect geeft stop motion volgens velen echter een ‘droomachtige kwaliteit’ wat een belangrijk kenmerk is voor de fantastische film.6)

Dit is niet het enige voorbeeld van stop motion in Méliès’ werk, maar wel het treffendste. Het geeft aan dat stop motion net als andere trucages gebruikt kon worden om toeschouwers een verrassend effect voor te schotelen om verbazing en amusement bij hen op te wekken. Stop motion en andere special effects trekken daardoor de toeschouwer een fantastische wereld binnen waarin datgene mogelijk is wat niet in de alledaagse wereld gebeurt. Alec Worley merkt op:

Transformation is the essence of magic, be it transforming one thing into another or producing something out of nothing. Thus fantasy cinema was born the moment George Méliès turned his assistant into bones.7

Hoewel Méliès stop-substitution met grote regelmaat benutte, maakte hij echter zelden gebruik van stop motion animation, wat de focus is van dit paper. Zijn aandacht in het opwekken van trucages ging meer uit naar het beeld voor beeld bewegen van acteurs dan in het animeren van modellen, terwijl latere filmmakers stop motion gebruikten om modellen in hetzelfde frame als acteurs te tonen en de suggestie te wekken dat er tussen beide interactie plaatsvond. Voor Méliès is stop motion een special effect als ieder ander: een hulpmiddel, een techniek, een trucage die een verrassing kan opwekken maar niet zodanig dat het de film maakt. Hoewel Escamotage d'une dame au théâtre Robert Houdin tot het fantastische genre gerekend kan worden houdt Méliès het in menselijke context: hij gebruikt stop motion voor personen, niet voor onmenselijke wezens zoals later het meest gebruikte doel van de techniek zou worden. Méliès benutte geen poppen of modellen die frame voor frame bewogen werden om als dergelijk “levend wezen” te figureren, een special effect dat als personage diende dat alleen via special effects gerealiseerd kon worden. Realisme speelde überhaupt geen rol in Méliès’ werk, aangezien hij wist dat de trucages in zijn films net zo artificieel waren als die in het theater en dat het publiek hiervan op de hoogte was.8 Hierdoor nam hij niet de moeite om van stop motion een techniek voor het nabootsen van de realiteit te maken.
Hoewel het in Méliès’ films niet naar voren komt werd stop motion animation al kort na de geboorte van de cinema toegepast. De vroegst bekende film die deze vorm van stop motion toepaste is waarschijnlijk The Humpty Dumpty Circus (USA: Albert E. Smith, 1897) gemaakt door de Edison Company, waarin houten dieren en acrobaten kunstjes vertonen in een filmpje van 40 seconden.9 De film werd goed ontvangen waarop Edison een tweede filmpje met dezelfde techniek vervaardigde, A Visit to the Spiritualist (USA: Regisseur onbekend, 1899). Een ander vroeg voorbeeld is The Teddy Bears (USA: Edwin S. Porter, 1907).10 Niemand zag er echter veel brood in of had het geduld om dit soort filmpjes te blijven maken, op één persoon na, die daardoor als pionier van deze techniek beschouwd wordt. Dit was Willis O’Brien, een tijdgenoot van Méliès. En hij is degene die er als eerste een middel in zag om het onmogelijke op een realistische manier mogelijk te maken.

1 Brosnan, John. Movie Magic: the story of special effects in the cinema. Londen: MacDonald, 1974: p. 15
2 Worley, Alec. Empires of the Imagination. Jefferson: McFarland & Company Inc. Publishers, 2005: p. 23
3 Pinteau, Pascal. Special Effects: an Oral History. New York: Harry N. Abrams Inc., 2004: p. 22 / Schechter, Harold, David Everitt. Film Tricks: special effects in the movies. New York: Harlin Quist Books, 1980: p. 16
4 Worley 2005: p. 18-19
5 Brosnan 1974: p. 182
6 Schechter en Everitt 1980: p. 154
7 Worley 2005: p. 19
8 Schechter & Everitt 1980: p. 153
9 Brosnan 1974: p. 151
10 Rovin, Jeff. Movie Special Effects. New Jersey: A.S. Barnes and Co., 1977: p. 22

woensdag 9 mei 2012

It Came From Cold War America, Chapter 5: Alien invasion movies





Been busy a lot the last few days (partially thanks to Game of Thrones, which is somewhat addictive) , and I didn't get to see any movies to critique. There's also little interesting movie news worthy of commenting on, plus I'm still working on the archives. Therefore, I thought I might as well take the time to post another chapter of my paper It Came From Cold War America, for it's been a while since I last posted a piece of this work, and I do like to finish what I started. It's still in Dutch. Sorry. But hey, there's neat pictures of old movie monsters to make up for it!



Chapter 5: Alien invasion movies

Paragraaf 5.1: Definitie subgenre

Het alien invasion subgenre lijkt eenvoudig te definiëren. In een eerste genredefinitie draait het om een buitenaardse macht die naar de Aarde komt om haar te veroveren en haar inwoners te onderwerpen dan wel te vernietigen. In veel gevallen is dit correct, maar er zijn uitzonderingen die wel degelijk onder dit subgenre geschaard moeten worden. Niet alle aliens hebben boze bedoelingen. Integendeel, er zijn er bij die het beste met ons voor hebben, en ons willen waarschuwen voor onszelf en onze vernietigingsdrang. Naar deze aliens wordt zelden geluisterd: de mensen – of beter gezegd Amerika, aangezien de aliens altijd hier belanden – reageren met dezelfde argwaan en haat waarmee zij elkaar (andersdenkenden, non-conformisten) bezien, waarop de consequenties hun eigen schuld zijn. Wat dat betreft is dit subgenre reflexief: het stelt zowel vragen over de manier waarop met outsiders wordt omgegaan als over ons eigen gedrag. Deze uitzonderlijke films zijn left-wing (zie hoofdstuk 3), en proberen het publiek te overtuigen dat de paranoia in deze periode niet terecht was, in tegenstelling tot de meer conventionele right-wing films van dit subgenre, waarin de mensheid de totale vernietiging door de hand van de indringers boven het hoofd hangt1.
Een treffend voorbeeld van left-wing sciencefiction is The Day the Earth Stood Still -sounds familiar, eh? -  waarin een alien de mens komt waarschuwen voor zijn paranoia en strijd met andere naties, die een bedreiging vormen voor de intergalactische vrede: vervolgens wordt hij neergeschoten, opgejaagd en gedood, aangezien men zo bang is voor de mogelijkheid dat deze ene alien negatieve bedoelingen koestert dat men het risico liever niet neemt. Voor hij sterft stelt hij de mensheid een terecht ultimatum: leer in vrede te leven, of de Aarde wordt vernietigd teneinde de bedreiging die zij vormt voor andere planeten op te heffen (dus toch een soort van invasie). Een harde boodschap, maar geenszins onbegrijpelijk na de menselijke reacties die hij moest ondergaan.
Uitzonderingen daargelaten, de meeste aliens in de films uit dit subgenre hebben wel degelijk het slechtste met de mensheid voor. De Aarde moet hun planeet worden, en de mensen moeten verdwijnen of onderwerpen worden. In zo’n geval kan terecht van invasie gesproken worden. Niet alle aliens rukken echter uit met groot materieel. In sommige gevallen is het zelfs de vraag of er wel sprake is van een invasie. Wat te denken van het monster in The Blob? Dit “wezen” komt naar de Aarde en groeit door mensen te verslinden. Het is geen denkend creatuur, en misschien niet eens een levensvorm: het groeit domweg ten koste van andere levensvormen.
Ongeacht zulke uitzonderingen reken ik elke film uit de periode 1950-1959 die gaat over aliens die naar de Aarde komen, met welke bedoelingen dan ook, onder het alien invasion genre. Mijn voornaamste blik is gericht op de wetenschap in het subgenre, niet op een precieze afbakening van het subgenre, als dit zelfs al mogelijk is. In ieder geval hoop ik wel duidelijk gemaakt te hebben dat de term 'invasion’ niet te letterlijk genomen moet worden, maar dat het enige flexibiliteit vereist.
Dit subgenre is een product van de vijftiger jaren - in de filmindustrie althans, in sciencefictionliteratuur bestond het al langer2 - en had zodoende weinig tijd om haar specifieke genreconventies te construeren. Door een effectieve herhaling van semantische kenmerken als ruimteschepen (voornamelijk schijfvormig), aliens en een hoog aantal special effects maakte het zich echter herkenbaar als apart subgenre3. Bovendien werd het een boegbeeld van het sciencefictiongenre als geheel. Desondanks heeft dit subgenre een sterke band met het horrorgenre. Het verschil met dit genre zit hem in de schaal: dikwijls vallen de aliens de mensheid aan en zaaien zij dood en verderf op een schaal die ongeëvenaard is in horrorfilms (althans in deze periode)4. Voorts, waar de monsters in horrorfilms geassocieerd worden met bovennatuurlijke kenmerken, worden de aliens doorgaans geassocieerd met hun technologie: hun kracht schuilt in hun wetenschappelijke peil, een niveau waar menselijke wetenschap schril bij afsteekt. Desondanks worden ze meestal koud en emotieloos neergezet, als typisch on-menselijk. Sobchack duidt dit als de reden dat ze meestal in kleine typische Amerikaanse dorpjes of andere identificeerbare settings landen, waar hun afwijking van de Amerikaanse norm het best tot uiting komt, en blijkt hoe sterk ze de huiselijke stabiliteit kunnen verwoesten5 (zoals in Invasion of the Body Snatchers sterk het geval is).



De meeste films in dit genre waarin de aliens de boosdoeners zijn volgen een strakke narratieve formule. De protagonist is een aantrekkelijke man, vaak een wetenschapper, die als eerste met de indringers geconfronteerd wordt. Hoewel hij aanvankelijk niet geloofd word door de gemeenschap, maakt dit ongeloof al snel plaats voor angst als de indringer zich laat gelden. Vervolgens moet de samenleving als eenheid terugslaan (communal solidarity)6, geleid door een verbond van wetenschappers en militairen, die uiteindelijk de indringers met succes weten terug te drijven of te vernietigen. Lucanio noemt deze formule de klassieke tekst7. Als voorbeelden voor deze formule kunnen Earth vs.the Flying Saucers, Invaders From Mars en The War of the Worlds genoemd worden. Uitzonderingen op deze formule zijn aan te treffen, maar in de minderheid. Dit komt voornamelijk door het feit dat deze formule in de eerste helft van de jaren vijftig een succes was waarvan de studiobazen verzekerd wilden blijven. Hierdoor werd de formule in korte tijd uitgemolken.

Paragraaf 5.2: Wetenschap in alien invasion movies

Wetenschap uit zich in het alien invasion genre op twee fronten. Het eerste is de menselijke wetenschap, het tweede de buitenaardse wetenschap. Beide vormen van wetenschap staan symbool voor opvattingen over wetenschap die in de jaren vijftig aanwezig waren. Ze zijn echter niet uitsluitend te typeren als ‘menselijke wetenschap is goed’ en ‘buitenaardse wetenschap is fout’. Het ligt gecompliceerder dan dat. Dikwijls speelt er een wisselwerking tussen beide vormen. Hier speelt weer de vraag welke intenties de aliens koesteren.
Als de aliens zuiver uit zijn op het veroveren van de Aarde, is de menselijke wetenschap doorgaans een positieve factor, die de mensen ondersteunt in hun strijd tegen de indringers. In films waar sprake is van een grootschalige invasie, gaat wetenschap een nauwe coalitie aan met het militaire apparaat, als teken van sociale eenheid. In deze symbiotische relatie is wetenschap de dominante factor: haar bedachtzame en nauwkeurige analyses van de indringers beslissen welke acties ondernomen dienen te worden. Hoewel de eerste reactie van de legerbonzen inhoudt alle denkbare wapens - het liefst atoombommen - tegen de indringers in te zetten, geven wetenschappelijke besluiten de doorslag. Pas als alle andere mogelijkheden gefaald hebben, geeft de wetenschap weifelend haar goedkeuring aan het gebruik van atoomwapens. Deze hebben echter nooit effect. Hierop is het aan de wetenschappers, doorgaans de protagonisten, om een laatste redmiddel te produceren: meestal slagen zij hierin, een zeldzame uitzondering als The War of the Worlds daargelaten (zie casestudy 1).
In films die invasies kleinschaliger aanpakken is het echter niet noodzakelijk dat de wetenschappers per definitie aan de kant van de mensheid staan. In het hele genre door spreken de wetenschappers hun bewondering voor de technologische capaciteiten van de aliens uit, welke ver boven die van de mensheid staan, ongeacht de verwoesting die zij aanrichten8. In enkele gevallen, vooral in de meer right-wing films van het genre, mondt die bewondering uit in ondermijnend gedrag, waarbij wetenschappers de alien een hand boven het hoofd houden om hem te bestuderen en kennis op te doen. Dit resulteert in verlies van levens en een vergroting van het gevaar dat de aliens voor de samenleving vormen. Hier is opnieuw The Thing from Another World een treffend voorbeeld, maar ook in Earth vs. the Flying Saucers en zelfs de left-wing The Day the Earth Stood Still bewonderen wetenschappers de aliens, hoewel het bij de laatste niet tot rampspoed leidt.
De indringers zijn meestal afhankelijk van hun technologie en gaan er een symbiose mee aan. Hierdoor worden zij koud en gevoelloos, net als de technologie zelf. Noonan beschrijft ze als ‘superior to the people of Earth in mental abilities and scientific know-how, but deficient in the essential humanity that defines the human race9. Deze aliens hebben geen ethiek en kennen geen schroom over de verschrikkingen die zij veroorzaken met hun technische vaardigheden. Hierin verschillen zij van de mensen die hun technologie wel degelijk met moreel besef gebruiken, en in het geval van atoombommen zelfs met wroeging. Zo worden ze duidelijk tegenover de mensen geplaatst, als inhumane wezens die geen moraliteit hebben en ons komen vernietigen, waardoor het publiek zich meer identificeert met de mensen en hoopt dat de indringers verliezen (wat meestal ook gebeurt).



Tegenover de vernietigende indringers staan echter de welwillende wezens die het beste met de mensheid voor hebben. In deze left-wing films staat wetenschap vaak lijnrecht tegenover het leger, in tegenstelling tot de bovenstaande variatie op het genre. Het leger wordt hier meestal neergezet als een autoritair samenraapsel van ijzervreters die voor alle zekerheid de aliens eerder willen doden dan naar ze te luisteren. Hier tegenover staan de wetenschappers die wel oor hebben voor hun boodschap, hetzij omdat de belofte van vrede ze aanspreekt, hetzij omdat ze onder de indruk zijn van de technologie van de aliens. Wetenschap en de intellectuele elite worden hier beschouwd als het verstand van de mensheid, een bron van rationaliteit, die de boodschap van een glorieuze vreedzame toekomst omarmt10. Het sterkste voorbeeld is The Day the Earth Stood Still, maar ook in Red Planet Mars en It Came From Outer Space speelt dit thema, alsmede in Invasion of the Body Snatchers (waar de boodschap juist als iets negatiefs wordt gezien).
De acties van het intolerante leger dwingen de welwillende aliens vaak hun boodschap met een demonstratie van hun kunnen kracht bij te zetten. Deze aliens verachten geweld, maar schuwen het niet in noodgevallen, en hebben wel degelijk de technologische kennis om op grote schaal vernietiging aan te kunnen richten. Verder dan dreigementen komen ze niet, omdat de wetenschappers en hun mores hen doen inzien dat de mensheid wel degelijk potentieel heeft, en dus een tweede kans verdient. Hierop verlaten ze de Aarde om de mensheid tijd te geven na te denken over hun boodschap. In zoverre is wetenschap ook in deze variant van het subgenre de redder van de mensheid.

Casestudy 1: The War of the Worlds

The War of the Worlds is haast prototypisch te noemen wat betreft narratie, en voldoet aan de meeste factoren die Lucanio stelt in de klassieke tekst. Bovendien vervult het alles wat men bij de term alien invasion film verwacht. Globaal gezegd draait het om een invasie op Aarde door Marsbewoners die de planeet voor zichzelf willen hebben en daarvoor de mensheid trachten uit te roeien. De mensheid probeert daarop terug te slaan, waarbij wetenschap en het leger de handen ineen slaan. Onder leiding van een scientist hero wordt de vijand bestudeerd en bestreden. Opmerkelijk is dat dit in deze film tevergeefs is, aangezien geen enkele menselijke uitvinding de indringers kan weerstaan, in tegenstelling tot in de meeste andere alien invasion films waar dit wel lukt (Invaders from Mars, Earth vs. The Flying Saucers, etc.). Slechts door blootstelling aan Aardse bacteriën, in deze film beschreven als ‘the littlest things which God in His wisdom had put upon this Earth’11, gaan de aliens ten onder. In dit geval wordt de mensheid gered door goddelijk/natuurlijk ingrijpen, en niet door wetenschap.



Wetenschap komt er in deze film niet al te best vanaf. Het voldoet niet aan de verwachtingen die men er van heeft, aangezien het tot niets leidt in het gevecht met de aliens. De mensheid vertrouwt op de wetenschap om wapens te maken waarmee de indringers doeltreffend bestreden kunnen worden, maar geen enkel wapen blijkt enig effect te hebben. Zo faalt het bondgenootschap tussen leger en wetenschap in hun taak de mensheid te beschermen en de aliens terug te drijven. Wetenschap is voornamelijk goed voor verwoesting: alle mogelijke wapens worden ingezet tegen de Martianen, maar niets helpt. Zelfs de atoombommen berokkenen meer schade aan de mensen zelf dan aan de vijand. Ondertussen gaat de wereld kapot aan het gebruik van wapens: steden liggen in puin, en de mensen vluchten door kale, geschroeide landschappen. In de opening van de film wordt deze gedachte ondersteund: we zien een reeks beelden gemonteerd als een evolutie van wapens, steeds krachtiger (beginnend bij simpele tanks en mitrailleurs, uiteindelijk culminerend in een atoomexplosie), waarover de stem van de narrator klinkt:

In the First World War, and for the first time in the history of man, nations combined to fight against nations using the crude weapons of those days. The Second World War involved every continent on the globe, and men turned to science for new devices of warfare, which reached an unparalleled peak in their capacity for destruction. And now, fought with the terrible weapons of super-science, menacing all mankind and every creature on the Earth, comes the War of the Worlds!’12 [my italics]

Ook de wetenschap van de aliens wordt gebruikt voor verwoesting. Na duizenden jaren technologische vooruitgang heeft de Martiaanse wetenschap een hoogontwikkeld arsenaal aan wapens geschapen, uitermate geschikt voor grootschalige verwoesting. De aliens zijn typische buitenaardse booswichten van de vijftiger jaren: ze zijn koud, emotieloos en meedogenloos. Ze laten zichzelf nauwelijks zien, maar hun aanwezigheid gaat niet onopgemerkt als ze in oorlogsmachines rondvliegen, en daarbij alle mensen die ze tegenkomen uitroeien. Hun oorlogsmachines hebben wel wat weg van de typische UFO’s die in de jaren vijftig in groten getale werden ‘waargenomen’. Ze zijn niet honderd procent schotelvormig, maar bestaan hoofdzakelijk uit ronde vormen, zijn egaal zilvermetalig met weinig detail, ze maken laag zoemende geluiden en hebben groene belichting (wat connotaties oproept met de stereotype ‘little green men’; de beste Nederlandse vertaling, ‘marsmannetjes’ verliest deze connotatie helaas): hierdoor hebben ze een onaardse, dreigende uitstraling. Het ontwerp van deze machines haakt in op de negatieve connotaties die doorgaans met vliegende schotels werden gemaakt in de jaren vijftig, die werden gezien als mogelijke voorbodes van een buitenaardse invasiemacht.
Hoewel de indringers mentaal gezien hoogontwikkeld zijn, zijn ze lichamelijk gezien juist onderontwikkeld: ze zijn klein van gestalte met onderontwikkelde ledematen - uitgestrekte, dunne, ongezond ogende armen, hun benen krijgen we niet te zien - maar met een enorm hoofd, alsof de druk van hun grote hersenen hun lichaamsbouw ineen heeft doen schrompelen. Zeker is dat ze niet helemaal uit organisch materiaal bestaan: hun hoofd bezit een uit drie gekleurde vlekken opgebouwd mechanisch ‘oog’, waarmee ze in een ander spectrum zien dan mensen. Het lijkt alsof de aliens deze technologie in hun lichaam hebben ingebouwd. Gezien het negatieve imago van wetenschap in deze film is het niet ondenkbaar dat dergelijke technologische ingrepen hen koud en emotieloos hebben gemaakt; door de opbouw van hun ogen hebben ze ook geen gelaatsuitdrukking, waardoor het moeilijk is gevoel aan hen toe te kennen. Door het verwerken van technologie in hun lichaam is hun natuurlijke ontwikkeling, en daarmee hun emotioneel spectrum, verstoord en afgebroken.




Opmerkelijk is de haast symbiotische relatie die de indringers met hun technologie aangaan: zonder hun technologie zijn ze zwak en makkelijk te verslaan, maar in hun oorlogsmachines zijn ze onbereikbaar en onoverwinnelijk. Zoals zij techniek in zichzelf verwerkt hebben, zo neemt hun technologie lichamelijke eigenschappen van hen over: hun opsporingsapparaat heeft dezelfde drie-ogige prismatische uitstraling als hun eigen hoofd, en hun oorlogsmachines hebben een zelfde platte opbouw als hun eigen schedeldak. Hun machines worden bestuurd door een brandstof die door de scientist hero getypeerd wordt als bloed. Zowel hun technologie als zijzelf hebben biomechanische eigenschappen, wat uiteindelijk leidt tot hun ondergang, aangezien beide niet bestand zijn tegen bacteriën13. De representatie van wetenschap in deze film, negatief als deze is, toont ons de Martiaanse samenleving als een cultuur die in lichamelijk en moreel verval is geraakt door technologische ontwikkeling. Doordat de wezens te ver gingen in hun wetenschappelijke ontwikkeling zijn ze te afhankelijk geworden van techniek, en is hun weerstand tegen natuurlijke processen afgebroken. Uiteindelijk schiet ook hun vertrouwen in wetenschap tekort als ze ten onder gaan aan gewone microben. Hun verslaving aan technologie heeft hen de das omgedaan.
De Martianen zijn het ultieme voorbeeld van het kwaad waartoe wetenschappelijke ontwikkeling kan leiden: een immoreel ras dat genocide niet schuwt voor haar eigen doeleinden. Met hun wapens vormen ze een bedreiging voor de hele mensheid, met mogelijk een uitzondering… Hoewel vermeld wordt dat mensen over de hele wereld (de VS, Engeland, India, Zuid-Amerika) verslagen worden, wordt echter niets gezegd over het lot van de Sovjet-Unie. Dit wekt argwaan op. Men kan geneigd zijn parallellen te trekken tussen de Russen en de wezens van Mars14. Beiden worden geconnoteerd met de kleur rood, de Russen op ideologisch gebied (de symbolische waarde van de kleur rood in de communistische doctrine), de Martianen vanwege de kleur van hun thuis, de Rode Planeet, alsmede hun eigen lichaamskleur in deze film. Bovendien zijn de Martianen koel en emotieloos: eigenschappen die men in Amerika in anticommunistische propaganda ook de Russen verweet.
Hoewel ook de menselijke wetenschappers in deze film hun kennis benutten om wapens te bouwen, worden zij toch sympathieker geportretteerd. Zij gebruiken logica en rationaliteit om situaties te analyseren. De scientist hero, dr. Forrester (Gene Barry) komt op het eerste gezicht emotieloos en star over, typisch voor wetenschappelijke protagonisten van Lucanio’s klassieke tekst: hij lacht zelden, en gedraagt zich koel en berekenend. Wat dat betreft heeft hij wel wat weg van de indringers. Misschien impliceert de film dat we onze eigen wetenschappers maar goed in de gaten moesten houden voor we net zo ver gaan met technologische ontwikkeling als de Martianen… Desondanks beschikt Forrester toch over enige charme en liefde voor zijn vrouwelijke metgezel Silvia (Ann Robinson): hij beschermt haar van de bedreiging van de wezens en troost haar als ze bang is. In de film treffen we hem het eerst aan terwijl hij met zijn collegae aan het vissen is. Door een dergelijke activiteit kan het publiek zich toch met hem identificeren: hij is niet de vreugdeloze wetenschapper die hij op het eerste gezicht lijkt, hij is niet slechts bezig met onderzoek, maar weet de simpele geneugtes van het leven te waarderen. Ook voor een square dance is hij niet bang. Maar als de gelegenheid zich voordoet kruipt hij snel terug in zijn wetenschappelijke schulp, als koele, leergierige onderzoeker, met weinig vertoon van emotie.
De kans voor analytisch wetenschappelijk onderzoek doet zich voor als tijdens de square dance de stroom uitvalt, en bovenal alle technologie (waaronder horloges) stopt te werken. Forrester begint meteen de oorzaak rationeel te onderzoeken, en komt tot de conclusie dat er een sterk magnetisch veld in de buurt is. In een korte expositiescène legt hij de werking van magnetisme uit aan de omstanders, en tegelijk aan het publiek: zo leert de toeschouwer ook nog wat (deze educatieve vorm van expositie werd al genoemd in paragraaf 4.3).



Als blijkt dat de Martianen geland zijn, wordt het leger erbij gehaald. In deze film werkt de wetenschap nauw samen met het leger, waarbij wetenschap dominant is. Het leger onderneemt niets zonder eerst naar wetenschappelijk advies te luisteren. De wetenschappers, onder leiding van Forrester, volgen de voortgang van de bestrijding van de aliens, en geven de legerbonzen advies voor hun tegenaanvallen. Helaas blijkt niets te werken: zelfs de atoombom, het machtigste wapen dat menselijke wetenschap heeft voortgebracht, haalt niets uit. Vervolgens is het aan Forrester en zijn collegae de taak om via gedegen studie van de indringers een middel te vinden om ze te verslaan. Na een confrontatie met de Martianen komt Forrester op de proppen met bloedmonsters en een stuk technologie. Onmiddellijk beginnen de wetenschappers deze aanwinsten te analyseren in de hoop een middel te kunnen vinden om de vijand te verslaan. Ondanks hun eerdere tegenslagen, die erop wijzen dat wetenschappelijke analyse niet het middel is om deze strijd te winnen, koesteren de wetenschappers hoop dat ze nog betere, destructievere wapens kunnen ontwikkelen.
Helaas ziet de man-in-de-straat dit anders. Als blijkt dat de atoombom, toch het ultieme wapen van de mensheid, niets uitgehaald heeft breekt er paniek uit. Chaos en plundering zijn het gevolg. Als de wetenschappers de stad willen verlaten, worden ze door de bange massa onder de voet gelopen. Hun spullen worden vernietigd en zijzelf worden hardhandig aan de kant geduwd. Forrester probeert de massa uit te leggen wie ze zijn en wat ze voor de mensheid kunnen betekenen, maar hij wordt neergeslagen. De mensen hebben geen oren voor wetenschappelijk gebrabbel en hebben hun vertrouwen in de wetenschap verloren. Zo geeft The War of the Worlds een vrij fatalistische kijk op wetenschap: als het erop aan komt staat de wetenschap machteloos, en verliest de mensheid zijn vertrouwen in wetenschappelijke capaciteiten. Wetenschap kan de mens niet redden van de ondergang: slechts een wonder kan dit nog.
En in deze film vind het wonder plaats. Terwijl Forrester en Silvia (een diepgelovige vrouw) schuilen in een kerk en bidden, gaat het mis met de aliens. Op het moment dat de wetenschapper inziet dat wetenschap heeft gefaald en hij bidt tot een hogere macht voor redding, komt er een eind aan de verwoesting15. Forrester’s bekering, symbolisch voor de zuiver analytisch geest doen inzien dat er meer is dan zijn ogen kunnen zien of wetenschap hem kan vertellen, luidt zo de redding van de mensheid in. De Martianen hebben geen weerstand voor Aardse microben en gaan ten onder. Hun technologie faalt: net als in het geval van de mensen blijkt hun vertrouwen in hun eigen wetenschap misplaatst. Het had ze de overwinning moeten geven, maar het bracht ze naar hun dood. De parallel met menselijke technologie, die ook faalt in het beschermen van haar scheppers, is duidelijk. In tegenstelling tot de goddeloze Martianen leert de mensheid op tijd dat er niet teveel vertrouwen in wetenschappelijke vooruitgang gestoken moet worden. De natuur – of God, in ieder geval een hogere macht – is nog steeds heer en meester. Niemand kan zich aan haar wil onttrekken, ongeacht hun wetenschappelijk peil.
Dit einde is atypisch voor het alien invasion subgenre. In de meeste andere films wist de wetenschap zich wel als redder van de mensheid te profileren. Op alle andere vlakken (scientist hero, verbond tussen leger en wetenschappers, analyseren van de indringers) is The War of the Worlds echter wel een typische alien invasion film.

1 Biskind 1983: 120-121
2 Jancovich 1996: 30
3 Lucanio 1987: 56
4 Biskind 1983: 102
5 Sobchack, Vivian Carol. The limits of infinity: the American science fiction film 1950-75. New Jersey: A.S. Burnes and Co. Inc., 1980: p. 121
6 Biskind 1983: 102
7 Lucanio 1987: 25-44
8 Jancovich 1996: 26
9 Noonan 2003: 65
10 Biskind 1983: 154
11 War of the Worlds, The. Reg. Byron Haskin. Paramount Pictures, 1953.
12 War of the Worlds, The. 1953.
13 Jancovich 1996: 55-56
14 Brosnan 1978: 92
15 Jancovich 1996: 56