zaterdag 17 augustus 2013

Today's Mini-Reviews: oldies packing some punch




The Lone Ranger: ***/*****, or 6/10

Big budget remake of the classic radio play and television series appropriates the success formula formerly applied to the Pirates of the Caribbean films, which is not surprising considering the same people and studio that made those swashbucklers are behind this project. Produced by Jerry Bruckheimer for Disney and directed by Gore Verbinski, The Lone Ranger once again makes ample use of Johnny Depp's uncanny talent for playing weird, seemingly mentally unbalanced outcasts, considered a main audience draw for which Depp as usual received top billing, even though he does not play the titular character (in that regard it's Alice in Wonderland all over again). This time Depp assumes the mantle of the Lone Ranger's iconic Indian sidekick, Tonto, who recalls his adventures with the movie's actual hero at extreme old age, stuck in a sideshow tour as a noble savage. This framing of a tale within a tale is rather annoying as the movie tends to swivel from one version of Tonto to the other at moments where such distraction is not at all warranted and takes the pace out of the piece. Armie Hammer (The Social Network) plays John Reid, an overly morally righteous lawyer who must cope with the fact that the rules of law simply don't apply in the Wild West, especially when those in power make their own law. As a result, his valiant brother is killed and he himself is left for dead, until Tonto “resurrects” him and helps him get in shape as a masked Ranger who fights for justice and protects the weak from those who would corrupt the law for their own nefarious purposes. Enter an unscrupulous railroad tycoon and his sinister henchman with a taste for excessive violence (the ever eerie William Fichtner), who mean to instigate a war with the Indians in order to move in on their territory that contains huge silver deposits. Reid and Tonto, who is also an outcast amongst his own tribe for being a supposed nutcase, must find a way to expose the plot as well as save Reid's sweet sister-in-law and her young son.

This results in the usual action driven plot, moving from setpiece to setpiece through all the old Western locales, including a whorehouse run by Helena Bonham Carter (equipped with an ivory faux leg of large calibre), Native American teepee villages and the indispensable classic Fordian landscapes of canyons and unusual rock formations no Western ought to do without. Except from the climactic train chase, which admittedly is one of the finest and funniest ever put on film, most action scenes cannot escape a sense of staleness. Depp does his usual thing on autopilot, playing Tonto as a psychologically ambiguous character that gets into trouble regularly but always manages to pull himself out, more with luck than through his wits as he stumbles into one Keaton-esque gag after the other, while the naive but handsome Reid follows the predictable path from idealistic city boy to genuine Western hero. As was the case with the Pirates movies, there is a distinct supernatural flavor to the story which both feels confusing and often out of place, though adding to Tonto's mystique but also to his establishment as a totally silly character. And what's the deal with having Fichtner cut out and consume the hearts of his adversaries while he's clearly a stupendously terifying character already? Despite Depp's presence, The Lone Ranger couldn't connect with American audiences and ended up a domestic flop, though at the moment of writing it's too early to tell whether the same is true from an international perspective. For this failure producers and actors, in an odd moment of anger made public, blamed the critics who according to them panned the movie for its numerous production troubles, but that's a wholly nonsensical notion since due to the ever growing advent of opinionated online writing about movies critics just aren't heeded to as they once used to be: also, many movies critics regard as bad continue to do well regardless (Transformers, Scary Movie, etc.). Apparently the people that made this movie just didn't see both the lack of creative quality in their own project – though it's not as bad as some would have you believe, it's definitely not a grand and memorable blockbuster flick either – and the overuse of Disney's formulaic line of thinking that already started to backfire on the Pirates movies. Incidentally, those that follow the current TV-series Hell on Wheels, that largely delves into the same historic and thematic material as this film, will find little in here that that show didn't do before (and better). Except for the train chase of course.




Red 2: ***/*****, or 7/10

Sequel to Red (2010) (Retired: Extremely Dangerous), based on the graphic novels by Warren Ellis, continues the simple tradition its predecessor so successfully kicked off, delightfully combining well respected grand actors with dynamic action sequences and any number of nifty explosions. Bruce Willis, John Malkovich and Helen Mirren reunite as a band of retired government agents, all still extremely accomplished killers nevertheless. Morgan Freeman has been traded in for Anthony Hopkins and David Thewlis, which is not the worst deal imaginable though Freeman's charming character is still sorely missed (but even in an over-the-top action franchise like this, dead is dead). Living a quiet, everyday life with his new girlfriend Sarah (Mary-Louise Parker), ex-CIA operative Frank Moses (Willis) has no intention of getting mixed up with gunfights and conspiracies again, but such things tend to find him regardless. When his paranoid, mentally unhinged pal Marvin resorts to faking his own death, Moses finds himself sucked into another plot revolving around a portable nuclear bomb hidden in the Kremlin, something he is rumoured to be involved in. As was the case in the previous film, it's necessary for him and his friends to travel around the globe in order to piece together the puzzle, which brings them to exotic (or close to), luxurious locales including Moscow and Paris, a staple of spy films but delivered with ample fervour not to get noticed. Thrown in the mix are Hopkins as an unbalanced inventor of weapons of mass destruction who has spend 20 years in a looney bin, Thewlis as a shady information dealer who much prefers the good things in life (like hideously expensive rare wines) over gunplay and gratuitous violence, Catherine Zeta-Jones as a foxy agent sharing a history with Moses and out to seduce him once more, and, as before, Brian Cox as a former Russian KGB-officer and hopeless romantic who appreciates the sight of his beloved Helen Mirren offing people over all else. As the merry band of aging killers shoots and bombs its way through the plot, Moses must also come to terms with his younger and inexperienced girlfriend, who now considers this sort of bloody adventure a neat holiday trip and bonding experience, and takes as much points as she can in the art of mayhem, much to his chagrin (and a far cry from the not quite so enthusiastic Sarah from the first film). Suffice to say, if you're not a fan of guns and other assorted weaponry, this movie is definitely not recommended to you. However, like the first Red, this successor is nothing but a highly entertaining action flick that appropriates the huge talents of the renowned actors it has brought together to great effect, clearly enabling the ensemble to have a blast itself. Though the movie is otherwise devoid of narrative surprises, the high levels of good fun and a decent number of high paced action scenes make for a decent way to spend your two hours.


vrijdag 16 augustus 2013

Jurassic Park Series 2: Carnotaurus


Year of release: 1993-1994

Accessories:
-Removable Dino Damage wound patch
-Three pieces of capture gear
-Collector’s Card # 31




Description: Carnotaurus is one of the bigger dinosaur sculpts of the JPS2 toy line, measuring a good 25 centimetres in length and standing about 15 centimetres tall. It stands in a stalking posture, with its head turned left as if checking out a potential target, and its right leg moved forward, with its arms, particularly its right arm, ready to slash at a nearby victim. Carnotaurus looks very different from other predatory bipedal dinosaurs because of its unusual head, which has very short jaws and sports an overall 'round' quality to it. Above each eye, this creature carries a small triangular horn, which is where it got its name from ('Carnotaurus' meaning 'meat bull', 'meat' referring to its diet, and 'bull' to its horns). The back and head of this beast are covered in rows of lumps, the row in the middle running from its snout to the end of the tail sporting the biggest of these, giving this monster a rather edgy and aggressive look. The teeth work accordingly, and stick out in a rather odd fashion, as if they were deformed. This figure definitely earns its nickname, 'Demon', with a body so bizarre as this!
Not only the shape of the body enhances its demonic quality, so does its paint scheme. Most of the body is black, except for the underside (belly and lower part of the tail) which is coloured ghostly beige, while the upper parts of the beast (top of the head, neck, back and upper part of the tail) are red. This red colouring runs over the top black paint in triangular stripes and randomly shaped spots on its back. The big horns on its head are black, while the claws on both hands and feet are grey. The creature has small light green eyes with black pupils and tiny white irises. The inside parts of the mouth are all pink. On its left leg the figure sports a white JP logo, with the number .19 next to it.
Like most bigger dinosaur figures, especially the ones whose bodies are composed of softer “real feel dinosaur skin” like this Carnotaurus' body is, this figure carries a removable dino damage wound patch. It's located at a rather unusual place, not on the flanks as is most often the case, but on the left side of the base of the tail. It has a very random quality to it and is much less symmetrical than the wound patches of some other dinosaurs (like the JPS1/2 Young T-Rex), revealing white bones and red muscle tissue underneath. This dinosaur also features 'attacking jaws': squeezing the neck makes its jaws open as if the creature is biting.
This dinosaur comes with three pieces of capture gear. There is the typical cuff like tag, big enough to at least partially fit around the creature's neck, but thicker than usual (which helps to tell its apart from the tags of the Young T-Rex and Utahraptor figures of this toy line). There is also a leg piece which restrains both legs, but is somewhat too long to really fit between them, forcing the legs apart. Lastly, there's a head piece, much bigger than on the other JPS2 dinosaur figures, which is designed to fit all over the figure's head, almost like a helmet, with only the horns sticking out on top and the area around the nostrils open. This piece is particularly difficult to apply and remove.




Analysis: Kenner felt daring enough while producing the JPS2 toy line to introduce various rather unknown creatures, including this Carnotaurus (which at the time was at least unknown to the general public, though it's better known nowadays, thanks in part to Disney's Dinosaur which featured Carnotaurus as its main bad guy). With the absence of a huge T-Rex figure, this figure is one of the biggest sculpts of this line (second only to the Utahraptor) and as such got a chance to shine as the new terror on the block, and did a pretty good job despite its rarity and several design flaws. Thanks to its highly unusual appearance Carnotaurus has been a favourite among dinosaur aficionados since its discovery, and this figure definitely did its looks justice, even though it wasn't entirely accurate. It has a very aggressive but appealing look, certainly not a creature you would want to mess with. This feeling is only enhanced by its fiendish paint job, demonic for sure. Yet still something managed to hurt this beastie, looking at its nasty dino damage wound, which looks much more realistic and gritty than that of most other dinosaur figures.
The dino damage wound is the most interesting aspect of this figure when judging it from a playability perspective, considering the 'attacking jaws' are pretty lousy by comparison. They work in the same capacity as those of the Young T-Rex figure, in that you have to squeeze the neck to open them, thanks to the soft material the figure's skin is made of. However, they do an even less impressive job than the Rex's jaws did, because these jaws are so stupendously short, so they can only grab smaller prey. They are hardly big or strong enough to lift human figures. An alternative biting mechanism would have been preferable, something the Kenner toy designers probably realized themselves when they designed the TLWS1 Carnotaurus, which had jaws that opened by pulling its leg: even though this system was flawed as well, it was less cheap than this one. This Carnotaurus obviously has better looks than it has action options.
The capture gear that comes with this figure strangely enough has the exact opposite problem: it works too well. The head piece almost fully covers the head, and certainly subdues this monster's jaws. However, it's difficult to put it on, and even harder to remove it because it is such a tight fit. When forcing it too much it might cause paint wear on the figure's head, something you shouldn't want to happen because the paint job is one of the best things about this figure. Similarly, the leg piece is too long and forces the legs apart to some extent, which may cause the skin around the legs to crack if you're not careful. Basically, the capture gear is 'too eager' to restrain this figure, so it's better not to use it too much.




Playability: limited. The only poseable body parts of this sculpt are the arms. The biting jaws, which are this figure's main attack feature, aren't very impressive because they're so short and can only bite smaller prey. The dino damage wound is of better quality, and looks more realistic and gritty than on most other bigger dinosaur sculpts, while it's still easy to remove and put back. The stance this figure assumes, particularly its head which is turned leftwards, hinders playability to a minor extent. The capture gear adds some more options, though it's only compatible with this figure. However, because they're such a tight fit (especially the head piece), they might cause paint wear when used too often or too carelessly.

Realism: Carnotaurus was not featured in the first JP movie, nor in its sequels. It did play a part in Michael Crichton's The Lost World novel, as a lethal predator with camouflage abilities. With its noticeable black and red paint job, this figure obviously isn't a camouflaged killer. However, it is instantly recognizable as a Carnotaurus by its bizarre head, with its short jaws and horns above the eyes. It also looks very similar to the Carnotaurus hatchling of the JPS2 toy line, both in shape and colour scheme, adding some consistency to the line. It's not entirely accurate though: the arms are way too long, since Carnotaurus was equipped with the tiniest arms imaginable (no more than stumps really), which also came with four fingers instead of the three this figure sports. Also, its tail is a bit too short. But in comparison to human figures its overall size is about right.

Repaint: no, this is a totally new figure. It would not get repainted for later toy lines, even though Kenner added a Carnotaurus figure to its TLW line in 1997 (which was a completely new sculpt). The capture gear also would not be repainted, but the leg piece of this Carnotaurus is identical to that of the JPS2 Utahraptor figure.

Overall rating: 7/10. This Carnotaurus looks very cool and is just a plain butch figure with a nasty wound to match, but it has limited playability and comes with a very disappointing biting action. Still, if you can get one you shouldn't hesitate, especially due to the fact that this is quite a rare figure that almost always fetches high prices, even for loose and incomplete figures because it is highly sought after. Whether this is justified is a good question, but apparently most JP collectors think so. But be sure to decide for yourself whether this figure is worth spending loads of money on, because it's very likely you will have to do just that if you want to get one for yourself.


Jurassic Park Series 2: Utahraptor


Year of release: 1993-1994

Accessories:
-Three pieces of capture gear
-Collector’s Card # 67




Description: this carnivore has all the hallmarks of a typical Raptor, even though it's not the same species as the well known Velociraptor we saw in the Jurassic Park movies. It is bipedal, equipped with long arms with sharp claws, as well as a big sickle shaped claw on each foot (both of them poseable too!). However, this Utahraptor is much bigger than any other Raptor figures: it is in fact the biggest dinosaur of the JPS2 toy line. Like most Kenner dinosaur figures of this size, it has “real feel dinosaur skin”, a softer material than the usual hard plastic (though its limbs are still made of the latter). It's a rather bulky figure with a big fat belly to accommodate the electronic systems inside, as well as huge feet, rather pointless since the figure is not able to stand on them because it lacks proper balance; it can only stand on all fours, not on two legs). However, it stands in a fully neutral posture. Utahraptor is equipped with a 'kick-slash' action: pulling both legs back and pressing the button underneath the base of its tail (yes, its anal region) makes both legs give a powerful kick simultaneously. It also makes the head move forward a little while opening its jaws, and it unleashes a terrific screech.
This monster sports a typical paint job, not much unlike that of the various smaller Raptor figures Kenner produced over the years. Its underside (throat, belly, lowest part of the tail, insides of the limbs and bottom of the feet) is white, while the rest of its body is painted brownish orange. The orange colouring is covered in many black spots and stripes in random patterns, particularly on its back, neck and upper legs. The claws on both hands and feet are painted dark grey. The tongue and remaining insides of the mouth are pink, with white teeth. It has bright pink eyes with black cat like pupils and white irises, in black eye sockets. On its right leg, a big black JP logo is found, next to the number .22. This logo is decently camouflaged in the black spots on the rest of the leg.
This dinosaur comes with three pieces of capture gear. There's the required tag, which comes with all JPS2 dinosaurs, but is quite big in this case, and fits well around the creature's neck. It also comes with a leg restraint, which can hold on to both legs simultaneously, but is a bit too long to properly fit between the figure's legs (for some reason the leg piece of the JPS2 Young T-Rex is shown on this figure on the back of its box, but the leg restraint that actually comes with it is much bigger and is seen on pictures on the sides of its box). Lastly, there is a big muzzle which can go around the figure's jaws, effectively disabling them, while also covering the eyes, so the Raptor can't see what's going on around him. All three pieces are coloured in the same metallic grey paint job.




Analysis: because of the absence of a huge T-Rex figure in the JPS2 line (since the Gulper T-Rex remained unreleased), this big Raptor figure is the tyrant king of Series 2 instead. Given the boldness on Kenner's part to release a wide range of relatively little known creatures, it's not surprising this creature is not the Velociraptor we know from the movies, but a whole knew species called Utahraptor. However, it's similar enough to the regular Velociraptor figures to just be called a Raptor and not bother with more exact designations. It's basically the same shape, just a fair size bigger. It also produces the same screaming sound as the JPS1 Electronic Raptor, but beefed up so it sounds much fiercer and more aggressive. The paint job is not very original, it's just a variation on the 'brown/orange with black stripes/spots' paint scheme, but it works well on this figure nonetheless. But the real attraction of this figure, other than to finally have a Raptor figure that can easily kill an adult Tyrannosaurus on its own for sure, are the attack options it features.
The most obvious one is the leg kick action. It's pretty new, though the Gallimimus of this toy line features something similar. In that case however, it looked more like the dinosaur was running instead of giving kicks, but there's no mistake about the intentions of this predator's kicking: these legs are made for killing. The mechanism works well: you can pull both legs back until they set themselves in the right position, then push the button (invisible under its skin). Both legs will plunge forwards violently, knocking over anything directly in front of them, including bigger dinosaur figures or small vehicles. However, it's better to raise the arms somewhat, otherwise they get in the way of the action. A great extra detail is that pushing the button also causes the head and jaws to move, so the beastie isn't just giving a kick, it's also taking a bite at the same time. And then there's the terrifying screech accompanying the action, making for one scary effect to add to the attack. It's not a new sound, but definitely of a better quality than on the much smaller Raptor it originally came with. Another cool little detail is the poseability of the big claws on the feet. They can move in at least a 100 degree circle, and can trap unfortunate prey between them. A real shame no other dinosaur figures with large claws have a similar feature.
Despite these nice positive sides, this figure does have some negative ones as well. The most aggravating is the interdependency of the legs, so they can't be posed separately, as well as the fragility of the leg kick system, which gets broken all too easily. Other points of irritation are the overly big feet and bulky squarish torso, which make this otherwise butch figure seem silly, especially because it is not able to stand on its two legs because the front part of the sculpt is much heavier than the back part (which consists of its tail only). Also, because of the softer material the skin is composed of, this figure's paint job is more susceptible to paint wear.
Like the other JPS2 dinosaur figures, this creature comes with a set of capture gear, including the compulsory cuff like tag that all of them have. It's quite big so less easily lost, but still serves little purpose since the figure already has a JP logo branded on its leg. The leg piece is certainly of use in this monster's case, but a bit hard to apply because of the small amount of space between the legs. The leg piece actually is too big for this figure's legs. Also, it doesn't stop the Utahraptor from kicking. The head piece does a better job, and subdues the jaws as well as the eyes. There's no restraints for the arms however, so the Raptor can still use those: it may even be able to use its arms to pull off the head piece. This figure could have used a better thought out set of capture gear.




Playability: pretty good. This figure has moveable arms and legs, end even the big claws on its feet can be posed, which is a feature not seen on any other JP dinosaur figures. The poseability of the legs is hindered by their connection to the leg kick action though, which also makes them incapable of being used separate from one another. The leg kick action works well and will knock over any human figures and most dinosaur figures too, but it's a very close range attack option, and the arms have a tendency to get in the way. The head and mouth motion is a neat little touch which adds some playability to this toy, and the mouth is also big enough to grab and hold human figures (though barely). The capture gear does what it's supposed to do, but adds little to this dinosaur otherwise. Keep in mind this figure is electronic and you shouldn't play too rough with it if you want to keep it intact. Also, the leg kick action is somewhat fragile and gets broken rather easily.

Realism: Utahraptor was newly discovered (in 1991) by the time this figure was released, and as such not that much was known about it (like the almost proven fact that Utahraptor had feathers), so the Kenner designers basically made this into a very big version of the Velociraptor as seen in the JP movie (though Utahraptor did not play a part in the film, the Raptors from the movie are often compared to Utahraptors because they are too big to be Velociraptors, but a bit undersized to be Utahraptors). However, they still got some things wrong, mostly the bulkiness of this figure and the overly short legs and tail, making this figure seem fat and certainly not like the agile superkiller it's supposed to be. The proportions of this figure are just off, also because of the need for space for the electronics in this figure, making it bulkier than it should be. Of course, the designers did get some basic things right, like the long slender arms and the sickle shaped claws. The head is also not bad, though the jaws could have been a bit longer. The size of this beast in comparison with human figures is pretty close to the real deal (insofar we know for certain about the real deal that is).

Repaint: no, this figure is all new. It would be repainted once, as a TLW Exclusive figure. That repaint would be slightly retooled, since the electronics were taken out. It did come with the same set of capture gear though. This JPS2 Utahraptor reuses the screech from the JPS1 Electronic Velociraptor figure, though enhanced so it sounds more intimidating.

Overall rating: 7/10. This figure is basically an extra big Velociraptor with an overly fat body, short legs and some other minor downsides, but it does come with several sweet attack features, a nice set of jaws and claws and a decent paint job. It's worth tracking down, though it's not always easy to find, especially since it didn't get a proper world wide release. You can probably find a loose sample for a decent price, but MIB or complete figures often fetch high prices.



Jurassic Park Series 2: Young Tyrannosaurus Rex


Year of release: 1993-1994

Accessories:
-Removable Dino Damage wound patch
-Three pieces of capture gear
-Collector’s Card # 39




Description: this repainted Young T-Rex figure has not been retooled from its JPS1 counterpart. It stands in the same fully neutral posture, and still features “realistic” dinosaur skin (though there is no such thing of course, since we’ll never know for sure what dinosaur skin felt like), made of a more flexible and softer material than the regular hard plastic. The figure’s arms, lower legs and inside of the mouth are not composed of this rubbery material. On its right flank a piece of skin can be removed, revealing a dino damage wound underneath, showing white ribs and red muscle tissue. The wound patch itself is largely symmetrical in shape. The Rex’s small two fingered arms are the only poseable body parts. The jaws of this Rex, which can be opened by squeezing the creature’s neck, provide the main attack option.
This Rex has a paint job very different from its JPS1 version.. Except for the figure's underside (lower part of the tail, belly, throat, lower jaw and lower part of the upper jaw), which is painted sickly greenish yellow, the rest of this figure is coloured all dark and gritty. The upper part of the creature (upper part of the tail, back and neck) are full black, though this is at first glance hardly distinguishable of the dark blue paint job the rest of its body sports. This dark blue, which is most notable on the legs, arms and flanks, runs in several thick stripes over the yellow underside (especially on the tail and upper jaw). The dino damage skin patch is entirely dark blue. The claws on both the creature's hands and feet are painted black. Tiny yellow eyes with black irises are embedded in its black eye sockets. The Rex's mouth is adorned with nasty white teeth, a dark pink tongue and additional dark pink mouth detailing. This Young Rex sports a large yellow JP logo with the number .06 on its right lower leg, which is the same number as the previous Young T-Rex figure had.
Three pieces of capture gear complete this set. There's the required tag, which comes with all JPS2 dinosaurs, but is quite big in this case, and fits well around the creature's neck. It also comes with a leg restraint, which can hold on to both legs simultaneously. Lastly, there is a big muzzle which can go around the figure's jaws, effectively disabling them, while also covering the eyes, so the Rex can't even see what's going on. All three pieces are coloured in the same metallic grey paint job.




Analysis: though the JPS2 line featured new and fascinating weird creatures of all shapes and sizes, it would have missed out on the most classic dinosaur of all (and the real hero of the movie) when it turned out the new big Gulper T-Rex figure would not be released. This may have something to do with Kenner deciding to repaint the JPS1 Young T-Rex figure, so this line would at least have one big Rex figure (though it's still a 'smaller' big figure, the only dinosaur of the JPS2 toy line that would beat it in size was the fierce Utahraptor, and not by much). Even though this Young T-Rex is not as impressive as the huge Red Rex of the JPS1 line, it's still a good Rex sculpt, repainted or otherwise. Kenner made sure there was enough difference between the original sculpt and its JPS2 repaint by giving this second Young T-Rex a totally different paint job, much darker and grittier. It looks quite good, but unfortunately Kenner didn't use the same quality paint as they used on the other soft skin dinosaur figures (maybe they were in a rush producing the Young Rex figures), resulting in this T-Rex being highly susceptible to paint wear. And considering the new paint job is this figure's most interesting new feature, that is a huge disadvantage.
The other new feature this repainted Young T-Rex comes with is the capture gear. It does a very good job subduing Junior Rex, making it unable to walk, bite or even see. The tag that comes with it is a redundancy like all tags, since the figure already has a JP logo branded on its leg. Fortunately this tag is a fair size bigger, making its less easy to lose. Though the capture gear does a good job, its use comes with one downside: it only adds to the paint wear. Putting the tag around the neck where it's supposed to go, or even applying the muzzle which fits really tightly around the Rex's head, can cause some nasty scratches in the paint scheme. A real bummer, since the purpose of capture gear is to be put around a dinosaur figure, and these restraints are incompatible with almost any other dinosaur sculpts.
Aside from the paint job and the capture gear, this Rex still comes with two main action features. The first is the typical dino damage wound patch, which was found on most larger non electronic dinosaur figures of the first JP toy lines. Removing the Rex’s wound patch reveals a nasty wound, which makes one wonder what creature would dare attack a T-Rex (the bigger Utahraptor maybe?). The wound looks gory, but the shape of the wound patch is too perfect and artificial: it looks like someone just cut an almost symmetrical hole in little Rex, instead of him suffering from a vicious attack by a rival carnivore.
The second option applied to this figure is a biting action. However, these biting jaws are a rather cheap action feature, since it’s only because of the soft material the dinosaur’s skin is composed of that this biting action is produced. Various other big carnivore figures come with biting actions, but more work is put in those by adding inventive biting mechanisms instead, making this figure's biting jaws pale in comparison. Squeezing the neck does open its jaws decently though, while it can also be used adequately to trap unfortunate figures’ body parts between them. It may not look very appealing, but at least it works for the most part.



Playability: decent enough. Though only the arms are really moveable, the flexible material allows for additional poseability to some extent (including the jaw motion). The dino damage wound patch is easily removable and can also be put back with little difficulty, but when applied to the figure it’s stuck strong enough so it doesn’t fall off on its own accord. Though usually the figure stands well balanced, more worn out Rexes occasionally have trouble standing up straight. Since this figure's paint job is easily damaged, it's better not to play too rough with it, also given this figure's rarity. In fact, if you want to play with this sculpt, it's better to play with its JPS1 version instead of risking damage to this figure. You can always use the capture gear on the JPS1 Young T-Rex after all, so that action feature isn't lost.

Realism: though no Young T-Rex was seen in the movie, a juvenile Rex much like this one played a minor role in Crichton’s original novel. This figure seems to be based off the book instead of the movie. Its paint job also is very different from the other Rexes of the first two JP toy lines, and doesn't resemble the movie Rex's paint scheme at all.

Repaint: yes, this is a repaint of the JPS1 Young T-Rex (known as Tyrannosaurus Rex Junior in the European release). The capture gear is new however. This figure would be repainted a second time as a TLW Exclusive figure, and again for the first JP: Dinosaurs line, both times featuring the same capture gear as this JPS2 version.

Overall rating: 7/10. This still is a fine figure and it sports a good new paint job, but the high level of susceptibility to paint wear is a real let-down, since you might as well play with the JPS1 Young T-Rex instead of risking damage to this rare T-Rex. The capture gear is fun, but nothing special. This Rex figure is much rarer than its JPS1 predecessor, and usually fetches high prices, especially MIB samples. If you don't feel like spending a lot of cash on it, you better stick to the JPS1 Young T-Rex.


dinsdag 13 augustus 2013

Today's Mini-Review: The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn





Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn, The

Rating: ****/*****, or 7/10

Steven Spielberg's first foray into the realm of motion capture, for which he used the classic comic adventures of Hergé's Tintin as the source material, combining elements from such beloved tales as The Crab with the Golden Claws, Red Rackham's Treasure and of course, The Secret of the Unicorn itself. Using real human performances from accomplished actors, the otherwise fully animated characters seem that much more convincing, making it a fine blend between animation and live-action, about as close to the original comics as an animated movie could hope to get. The young reporter Tintin (charming Jamie Bell) stumbles upon a model ship, the Unicorn, at a flea market, and soon gets caught up in a plot to find the location of the actual ship that sunk hundreds of years ago, loaded with treasure. The sinister Sakharine (Daniel Craig) is after his model and several others like it, to solve the puzzle of their predecessor's wherabouts on the bottom of the ocean. Tintin and his loyal dog Snowy team up with the ever drunk Captain Haddock (Andy Serkis, the undisputed king of mo-cap), a descendant of the Unicorn's commander, to keep Sakharine from achieving his goal and find the treasure first, for which they'll have to brave storms at sea, plain crashes, scorching desert crossings and the excessively high pitched voice of the Milanese Nightingale, Bianca Castafiore. Meanwhile, back at home, bumbling inspectors Thomson and Thompson (Nick Frost and Simon Pegg) – no relation! – are out to catch a shrewd pickpocket. Tintin may be the hero of the piece, but it's Haddock, Snowy and the two policemen who deliver the best lines, funniest gags and most memorable characters overall, just as in the comics: compared to them, Tintin himself remains fairly dull overall. Anyone who has ever seen an Indiana Jones movie and kept thinking of Tintin will be pleased to know Spielberg has perfectly carried over the tone of his Indy films to this first Adventure of Tintin, which is also quite suitable for a younger audience (and should adequately warn kids against the dangers of rampant alcohol consumption). Producer Peter Jackson is supposed to direct the next installment, but working on The Hobbit trilogy has thus far kept him from doing so. Hopefully he will pick it up soon, since it would be a darn shame if there ended up being just a single Adventure of Tintin.

Starring: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig

Directed by Steven Spielberg

USA/New Zealand: Colbumbia Pictures, 2011

Today's Mini-Review: Anonymous




Rating: ****/*****, or 7/10

Roland Emmerich, who usually spends his time directing epic disaster movies the likes of The Day After Tomorrow and 2012, apparently felt like a change of subject matter and directed this fine costume drama, which addresses the question as to the true identity of William Shakespeare. Emmerich shows himself to be a proponent of the Oxfordian theory that says the Bard's works were in fact written by the Earl of Oxford, Edward De Vere (Rhys Ifans), instead of by the commoner known as Will Shakespeare. That character (of which we admittedly do know less that we would like), Emmerich states, was just a frontman used to spread the Earl's plays and poems to an ever growing audience that loved them, partially because of the social commentary and incendiary situations they contained, something De Vere would not dare take credit for during the background of the Essex rebellion against the English Throne. Of course the Earl does have a hidden agenda of his own with his plays, namely the discrediting of his political rivals and winning the favour of the aging Queen Elizabeth (Vanessa Redgrave). Unfortunately for him, his tactic soon spirals out of his control as the loudmouth Shakespeare, played by a delightfully boisterous Rafe Spall, gets drunk on “his” success and threatens to undermine De Vere's efforts. Filled with political intrigue, a number of saucy plots and ploys and the rich history and fabulously grimy period look of the Elizabethan era, Anonymous admittedly is not on the level of actual Shakespeare plays, but a fairly smart and solid historical drama nonetheless, revealing that Emmerich can pull off other things besides destroying cities just as well. Needless to say, people who question the true identity of the author of this movie will be in for a bit of a surprise: it's really Emmerich.

Starring: Rhys Ifans, Vanessa Redgrave, Rafe Spall

Directed by Roland Emmerich

USA/UK: Columbia Pictures, 2011


maandag 12 augustus 2013

Today's Article: Destination God Part 2: Man Into Space

Hoofdstuk 2: Man into space, het vierde subgenre

Zoals ik reeds aangaf in de inleiding is één van de voornaamste redenen voor het schrijven van deze scriptie het ontbreken van het vierde subgenre in het sciencefictiongenre in mijn BA-paper. Daarom zal het in dit paper alsnog behandeld worden. Hierbij ga ik in op zowel de representatie van religie als wetenschap in het subgenre gevolgd door een casestudy; deze aanpak komt sterk overeen met de manier waarop ik in mijn BA-scriptie de drie andere subgenres besproken heb, met als verschil dat religie daarin niet behandeld werd. Zoals we hieronder zullen zien speelt religie een niet onbelangrijke rol in dit subgenre.



Paragraaf 2.1: definitie van en de rol van wetenschap in het subgenre

Als er één subgenre is waarin sciencefiction zich duidelijk van horror onderscheidt, dan is het wel het ‘man into space’ subgenre. In dit subgenre gaat het meer om de wetenschap zelf dan de, mogelijk desastreuze, consequenties van deze wetenschap. Science is, meer dan in de andere subgenres, de spil waar de films in dit genre om draaien. Wetenschap is wat deze films drijft, wat de verhaallijnen mogelijk maakt. In dit genre wordt wetenschap als overwegend positief gezien en ruimtereizen als iets optimistisch in relatie tot het onbekende.1 Uiteraard zijn er ook de nodige uitzonderingen die wijzen op de gevaren van wetenschap. Desondanks is dit subgenre zonder meer het mildst in de representatie van wetenschap en wetenschappers.
Als voornaamste reden hiervoor kan de band die dit subgenre heeft met de werkelijkheid genoemd worden. Naast wetenschappelijk verantwoord is dit subgenre ook het meest realistisch en actueel. Vooral in de beginjaren van het sciencefictiongenre in de vijftiger jaren, toen de ‘man into space’ films het genre overheersten terwijl de andere subgenres nog uit de startblokken moesten komen, is de grens tussen ‘science fiction’ en ‘science fact’ vaak vaag. Dankzij de intrigerende invloed van het fantastische concept van ruimtereizen met raketten, dat in wetenschappelijke kringen de boventoon voerde, postuleerden deze eerste genrefilms wat er zou kunnen gebeuren als de mens de ruimte zou betreden. Hierin ging de film die als kiem van het genre wordt beschouwd, Destination Moon (USA: Irving Pichel, 1950), het verst. Door zijn veelvuldig gebruik van bestaande wetenschappelijke theorieën en de serieuze toon omtrent het, op dat moment futuristische en in de volksmond onwaarschijnlijke, concept van ruimtereizen kan deze film welhaast een semi-documentaire genoemd worden. Deze realistische toon bleef een frequent verschijnsel in het subgenre (hoewel latere films het voornamelijk gebruikten als achtergrond voor fantastische concepten, zoals buitenaardse beschavingen of andere planeten, dan als basis voor een verhaal).
Hierin ligt een interessante paradox met de andere subgenres: terwijl het subgenre de meest realistische representatie van wetenschap geeft, gaat het ‘t verst in het weergeven van de fantastische kanten van het sciencefictiongenre. Terwijl de andere subgenres zich bezighouden met de huidige tijd en samenleving, waarin de ‘Other’ (buitenaardse wezens, reusachtige monsters) naar ons – dat wil zeggen, Amerika – toekomt, speelt dit subgenre zich dikwijls af in de toekomst waarin wij naar andere werelden trekken en daardoor zelf het contact met de ‘Other’ opzoeken, of waarin wij zelf de ‘Other’ zijn. Echter, het paradoxale hierin is dat ook in de ‘altered human’ en ‘terrestrial creature’ subgenres wij zelf de ‘Other’ als het ware “opzoeken” door ons gebruik of misbruik van onze technologie. Desondanks, door haar representatie van de toekomst en andere werelden, die contrasteert met de andere subgenres doordat zij daarin ontbreekt, blijft het ‘man into space’ subgenre op het eerste gezicht een vreemde eend in de bijt.2 Door veelvuldig gebruik van dergelijke semantische aspecten (ruimte, ruimteschepen, andere planeten, toekomst) is dit subgenre echter wel het makkelijkst af te bakenen van de andere subgenres.
Wat drijft de mensheid de ruimte in? Twee verschillende drijfveren worden als reden hiervoor aangegeven in de films van dit subgenre. De eerste is wetenschap zelf, het aloude vergroten van kennis waarop wetenschap zich baseert. In deze films (maar ook al bijna in de realiteit) heeft de wetenschap het punt bereikt waarop de technologie om een ruimtereis te maken bestaat. De mens trekt daarom de ruimte in en volgt daarbij de richtlijn van wetenschap: nog meer kennisvergaring. De vraag luidt hier eerder ‘waarom niet?’ dan ‘waarom wel de ruimte in?’: het gaat de wetenschappers er niet om of de mensheid de ruimte in moet, maar of zij het kan. De technologie bestaat, dus waarom zou men er geen gebruik van maken? Deze reden kan als arrogant en zelfs onverantwoordelijk geïnterpreteerd worden: wetenschappers denken niet na bij hun creaties en het resultaat dat zij aanrichten, maar puur om de daad van het creëren zelf. Desondanks worden wetenschappers hier eerder als naïef dan als expliciet arrogant neergezet: in hun welhaast kinderlijke enthousiasme naar de nieuwe mogelijkheden verliezen zij de potentiële resultaten uit het oog. Uiteindelijk geven zij hun fouten echter wel toe, leren zij hun les en nemen zij verantwoordelijkheid, waardoor ze niet als kwaadwillend worden afgeschilderd. Deze eerste reden wordt als geheel minder frequent aangetroffen in het subgenre, maar is toch een belangrijke factor die een duidelijk conservatieve blik op technologische ontwikkeling geeft.
Dat geldt niet voor de tweede reden, waarbij wetenschap niet alleen als progressief, maar zelfs onmisbaar geacht wordt. Deze tweede reden uit zich dan ook in bittere noodzaak. De (Amerikaanse) mensheid moet de ruimte in, anders volgt rampspoed. In het subgenre dringt de ernst van de noodzaak voor ruimtereizen zich op twee manieren aan, die los van elkaar gezien kunnen worden, maar ook gekoppeld.
Ten eerste is er de competitie. Als wij, de Amerikanen, niet als eerste de ruimte ingaan en haar mysteries ontsluieren, dan doen zij het wel. Wie zijn ‘zij’? ‘Zij’ worden zelden bij naam genoemd in het sciencefictiongenre, maar het is overduidelijk: ‘zij’ zijn de communisten, de Russen, die in de jaren vijftig in een bittere ‘space race’ verwikkeld waren met Amerika. Degene die als eerste de ruimte “verovert” heeft een groot tactisch voordeel over de oppositie. In Destination Moon wordt deze stelling als volgt uitgelegd:

A rocket is an absolute necessity. If any other power gets on into space before we do, we’ll no longer be the United States, we’ll be the disunited world. […] The race is on and we’d better win it, because there’s absolutely no way to stop an attack from outer space. The first country that can use the moon for the launching of missiles will control the Earth.

Als de VS de ruimte niet als eerste veroveren, dan doet de Sovjet-Unie het. Dat zou de mogelijke ondergang van Amerika en haar idealen kunnen betekenen. Zo geïnterpreteerd draait het niet alleen om de mensheid zelf die de ruimte intrekt, maar ook om de idealen die zij meebrengt en verspreidt. Amerika, het land dat zichzelf portretteerde als laatste hoop voor vrijheid en democratie alom, had zodoende de plicht om de ruimte als eerste te bereiken om een Utopia te stichten (hetzij op Aarde, hetzij in de ruimte zelf). Deed zij dat niet, dan volgde een ideologische Apocalyps, waarin de Russen hun systeem met geweld aan de rest van de wereld op zouden dringen.
De tweede reden is nog grimmiger, en minder frequent gebruikt maar toch zeer treffend. De ruimte wordt hier geportretteerd als de laatste hoop voor de gehele mensheid, zelfs als een toevluchtsoord voor de Apocalyps. De Aarde is gedoemd, maar door de ruimte in te trekken kan de mensheid overleven, zoals in When Worlds Collide (USA: Rudolph Maté, 1951). Of andersom: een buitenaardse beschaving is gedoemd, maar door naar de Aarde te reizen en de mensheid om hulp te “vragen” kan redding gevonden worden, à la This Island Earth (USA: Joseph M. Newman, 1955). In het laatste geval kan onze technologie zich ook tegen ons keren en door wanhopige vijandelijke wezens gebruikt worden, zoals te zien is in Flight to Mars (USA: Lesley Selander, 1951), waarin Marsbewoners de raket van een groep menselijke ruimtereizigers wil kopiëren om met een leger raketten de Aarde te veroveren. Zo waarschuwt de film voor het potentiële misbruik van technologische macht, waar de eerste reden voor de menselijke drijfveer de ruimte in te trekken ook al werd voorgelegd.
When Worlds Collide en het Apocalyptische uiterste van de tweede reden zullen in Hoofdstuk 5 uitvoeriger behandeld worden. Hier voldoet het om te stellen dat deze Apocalyptische visie gevoed werd door de angst voor de atoombom: dankzij dit aspect van de wetenschappelijke vooruitgang kon het mogelijk niet lang duren voordat men werkelijk gedwongen werd de hoop op de ruimte als toevluchtsoord te richten. Zoals John Brosnan opmerkt:

That film-makers suddenly became interested in ways of leaving earth is not surprising since, at the time, it didn’t seem likely that the Earth would be around for much longer.3

Zoals in de andere subgenres doet wetenschap in dit subgenre boete voor de verwoesting die zij heeft veroorzaakt door ook de oplossing aan te dragen die de mensheid, of tenminste een gedeelte hiervan, kan redden. Echter, de daadwerkelijke Apocalyptiek zoals die in het ‘man into space’ subgenre wordt getoond, is zelden aan menselijke wetenschap toe te schrijven. Of zij wordt veroorzaakt door de natuur (When Worlds Collide) of door buitenaardse wetenschap (This Island Earth): in beide gevallen redt menselijke wetenschap de mensheid. Hoe dan ook, de metafoor voor de angst voor het atoom blijft duidelijk.


Paragraaf 2.2: religie in het subgenre

Een eerste vraag die zich aandient bij de benadering van het ‘man into space’ subgenre betreft de ruimte zelf: wat was de ruimte voor de (Amerikaanse) mens in de jaren vijftig? Voor veruit de meeste mensen was het een onbekend, ongedefinieerd gebied waar men weinig of geen kennis van had. De wetenschappelijke verkenning van de ruimte voorbij het eigen zonnestelsel kwam net op gang: in principe kon men alles verwachten achter deze nieuw geopende grens.
Een oud thema dat niettemin in enkele gevallen naar voren komt in het subgenre (voornamelijk impliciet, maar expliciet in Conquest of Space (USA: Byron Haskin, 1955); zie beneden) is het motief van de ruimte als het terrein van God en/of hogere machten: een domein waar de mens zich uit respect verre van dient te houden. Of God zich letterlijk in de ruimte bevindt of dat de ruimte een bufferzone tussen het Aardse en het hemelse is wordt niet aangestipt in het subgenre. Desondanks speelt de eerste drijfveer van het ruimtereizen (zoals in de vorige paragraaf beschreven) hier een rol: de vraag of de mens de ruimte in mag of moet, tegenover het feit dat hij het kan. De ruimte wordt vaak aangeduid als een onbekend domein waar onvoorstelbare, zo niet goddelijke, krachten heersen die de mens voorzichtig dient te benaderen - of helemaal niet - in diens queeste naar wetenschappelijke kennis. In het genre is de ruimte niet zozeer verboden terrein voor de mens, maar wel een terrein dat met alle voorzichtigheid en respect benaderd dient te worden. Zoals de opening narrator in Invaders from Mars (USA: William Cameron Menzies, 1953) zich uitdrukt:

The Heavens. Once an object of superstition, awe and fear. Now a vast region for growing knowledge: the distance of Venus, the atmosphere of Mars, the size of Jupiter and the speed of Mercury. All this and more we know, but their greatest mystery the Heavens have kept a secret: what sort of life, if any, inhabits these planets?

Zoals ook in bovenstaand citaat te zien is wordt de term ‘the heavens’ gebruikt. In tegenstelling tot het alternatief, ‘space’, heeft deze term een duidelijk religieuze connotatie. De veelvuldigheid van het gebruik van deze term in het sciencefictiongenre in de vijftiger jaren duidt op het bovenstaande oude thema van de ruimte als Gods rijk. Doorgaans blijft het bij connotaties als ‘heavens’. Het thema zelf wordt namelijk zelden concreet besproken in het sciencefictiongenre in de vijftiger jaren. Naarmate het decennium vorderde werd het hoe langer hoe minder relevant. De ‘space race’ werd steeds heftiger; het thema vormde slechts een achterhaalde sta-in-de-weg. In sciencefictionfilms uit latere periodes wordt de term ‘heavens’ slechts zeer zelden benut als aanduiding van het concept ‘space’.
Dit oude thema werd in de loop van het decennium vervangen door een nieuw thema, dat, hoewel het niet ontkende dat de ruimte mogelijk een goddelijk domein was (maar hier vooral niet op inging), deze nieuwe aanwezigheid van de mens in de ruimte goedkeurde, zij het slechts de Amerikaanse mens. Hoewel de filmindustrie gretig met het thema van de ruimtereis aan de haal ging, was de Amerikaanse overheid en wetenschap nalatig geweest in de ontwikkeling van daadwerkelijke methodes om de ruimte te betreden. Hierdoor kwam het als een schok toen de Russen in 1957 Spoetnik lanceerden en zij technologisch gezien opeens op het Westen voor leken te liggen. De paniek die deze lancering veroorzaakte deed de Amerikaanse overheid beseffen dat het verder ontwikkelen van ruimtetechnologie noodzakelijk was waarop zij vervolgens flink vaart zette achter de ‘space race’. De vraag was nu: hoe zit het met God? Stond Hij werkelijk achter de Amerikaanse zaak? Gods positie en voor sommigen Zijn hele bestaan werd in twijfel getrokken.4 Ellwood merkt op:

Sputnik, the Soviet artificial satellite whose appearance so confounded those who had trusted implicitly in God and the scientific superiority of the West. The makers of the metal moonlet mocked such pretensions, declaring the cosmic traveller had discovered nothing resembling God in the empty reaches of space.5

Het debat over de toelaatbaarheid van de mens in de ruimte was hiermee definitief verleden tijd. Amerika moest en zou de ‘space race’ winnen en niet toestaan dat het communisme ook de ruimte veroverde. De ruimte diende toe te behoren aan Amerika en de Westerse idealen. Wetenschappelijke ontwikkeling zou dit mogelijk maken.
Patrick Lucanio beschrijft in zijn werk hoe Amerikaanse technologische ontwikkeling de mensheid een ‘tweede Eden’ beloofde, waarin wetenschappelijke innovaties het leven makkelijk hadden gemaakt onder een ideologie van vrijheid en democratie. Met betrekking tot het ‘man into space’ subgenre stelt hij dat ‘…the colonization of space was yet another manifestation of the second Eden’.6 De Amerikaanse waarden werden dankzij de vruchten van de wetenschappelijke vooruitgang de ruimte in gezonden door de “echte Amerikaan” zoals deze afgeschilderd werd in de ‘scientist hero’ van het genre: een knappe, blanke, heteroseksuele man met gezond verstand, uiteraard Godvrezend. Zoals Lucanio hem omschrijft een ‘American Adam’:

The American Adam […] is the Adam before the Fall. He is morally pure and socially innocent; his drive is for freedom, manifested by his never-ending escape from the confines of civilization and from the corruption that accompanies civilization. His vision is a romantic vision, a quest, it seems, for the perfect world.7

Deze zoektocht naar een betere, zo niet perfecte, wereld is een drijfveer van het ‘man into space’ subgenre: een wereld zonder angst en paranoia, zonder communisme. Een dergelijke wereld wordt doorgaans niet gevonden in het genre: alle in de ruimte aangetroffen werelden, ook al lijken ze aanvankelijk nog zo utopisch, blijken karakterfouten te delen met de menselijke beschaving (als reflectie op de tijdsgeest) en naderen hun ondergang (o.a. in Flight to Mars en This Island Earth): in andere gevallen hebben dergelijke fouten de wereld die de ruimtereizigers vinden al lang geleden verwoest, een waarschuwing voor het lot van onze eigen wereld die in de jaren vijftig relevanter dan ooit voelde (o.a. in Rocketship X-M (USA: Kurt Neumann, 1950) en Forbidden Planet (USA: Fred M. Wilcox, 1956)). (Zie in Hoofdstuk 5 met betrekking tot deze verloren beschavingen mijn passage over de ‘Alien Apocalypse’.)
Hoewel God niet aangetroffen wordt in de ruimte, voelt de ruimtereiziger in het genre vaak een connectie met het goddelijke als hij zich in het hemels firmament waagt om de Amerikaanse idealen te verspreiden. In een aantal momenten in het subgenre bespreekt hij het gevoel gestuurd te worden door een goddelijke macht naar een bepaald doel. In een enkel geval is deze goddelijke invloed negatief, zoals in Conquest of Space als de missie de ene tegenslag na de andere ondervindt wat de gezagvoerder ervan overtuigt dat God niet wil dat de mens zich verder de ruimte in waagt (Conquest of Space wordt hieronder uitvoerig behandeld). De andere gevallen zijn overwegend positief. Een voorbeeld is te vinden in Rocketship X-M: om onverklaarbare redenen wijzigt de X-M raket koers en gaat zij naar Mars in plaats van naar de maan, haar beoogde doel. De wetenschappers merken dan op:

Dr. Lisa van Horn: ‘What does it mean, Dr.?’
Dr. Karl Eckstrom: ‘It means there are times when a mere scientist […] must pause and observe respectfully while something infinitely greater assumes control. I believe this is one of those times.’ [my emphasis]

In gevallen als deze lijkt God de (Amerikaanse) mens te sturen naar een bepaald doel. Gezien de opvattingen over de relatie tussen God en de VS in de jaren vijftig (zie Hoofdstuk 1) is het niet merkwaardig dat het sciencefictiongenre deze positieve connectie onderstreept, zij het zelden op expliciete wijze: het wordt doorgaans gelaten bij een opmerking als deze die niet concreet op God slaat maar wel aangeeft dat een hogere macht de ruimtevaart naar een doel stuurt. Wat is dit doel? De “verovering” van de ruimte door het Amerikaanse Ideaal. Zoals Destination Moon aangeeft wanneer de Amerikaanse vlag op de maan geplant wordt:

By the grace of God and in the name of the USA I take possession of this planet for the benefit of mankind. [my emphasis]

In deze film claimt Amerika de maan voor het welzijn van de mensheid (niet slechts de Amerikaanse samenleving), en God staat dit toe. Eens te meer blijkt hieruit de gedachte dat God aan de Amerikaanse kant van vrijheid en democratie staat: het is de Amerikaanse missie deze waarden onder de hele wereld, zo niet daarbuiten, te verspreiden tegenover het communisme, de ideologie van de ‘unfriendly foreign power’ die de ruimtereis in deze film probeerde tegen te houden. In haar pogingen om de ruimte voor het Amerikaanse Ideaal te veroveren voordat een tegenstrijdige ideologie dat doet gaan wetenschap en religie hand in hand.
Aan de hand van When Worlds Collide zal de tweede drijfveer voor het maken van ruimtereizen, het overleven van de mensheid, aanvullend besproken worden in Hoofdstuk 5, gezien het aanwezige Apocalyptische aspect. Ik zal er hier niet op ingaan, teneinde onnodige herhaling te voorkomen.




Paragraaf 2.3: casestudy Conquest of Space

Conquest of Space is qua uitgangspunt en design typerend voor het ‘man into space’ subgenre, maar thematisch is het dat niet. De film draait om de eerste stap in ‘deep space’ die de mensheid in de toekomst8 zet na jaren voorbereiding: een groots ruimtestation is geconstrueerd van waaruit de eerste raket een reis naar Mars zal ondernemen in de eerste fase van de ‘verovering van de ruimte’, de poging tot kolonisatie van andere planeten door de mensheid. De mensheid werkt samen om dit doel te bereiken in een organisatie genaamd de ‘Supreme International Space Authority’; in de film wordt de bemanning geleid door Amerikaanse archetypes (de strenge maar rechtvaardige generaal, de idealistische jongeman, de komisch bedoelde sidekick).
De film, geregisseerd door Byron Haskin en geproduceerd door George Pal, is afgezien van een enkele designfout (de raket is merkwaardig genoeg uitgerust met vleugels) vrij realistisch in de weergave van wetenschappelijke theorieën en concepten. Dit is niet vreemd, aangezien Pal eerder in het decennium verantwoordelijk was voor de “pseudo-documentaire” Destination Moon. Met Conquest of Space zette hij de trend van wetenschappelijk verantwoorde sciencefiction voort.9 Dezelfde Pal leverde, in samenwerking met Haskin, twee jaar eerder The War of the Worlds (USA: Byron Haskin, 1953) af, waarin een weinig positief beeld van wetenschap geschetst werd ten gunste van religie en geloof, dat aan het eind van de film de mensheid redt van de Martianen (zie voor een analyse van de representatie van wetenschap in deze film Casestudy 1 van ‘It Came from Cold War America’). Opmerkelijk genoeg lijken Pal en Haskin hun opvattingen ten opzichte van wetenschap herzien te hebben. Waar in The War of the Worlds de menselijke wetenschap faalde in haar pogingen de mensheid te beschermen tegen de monsterlijke Martiaanse oorlogsmachine, vormt wetenschap in Conquest of Space een belangrijk hulpmiddel voor het in vrede leven van de mensheid. In deze film moet religie het ontgelden, althans die religie die geen ruimte laat voor interpretatie. In The War of the Worlds was geloof daarentegen de redder van de mensheid.10
Religie in deze film is direct gekoppeld aan het oude thema van de ruimte als het heilige domein van God, dat in 1955 al grotendeels achterhaald was vanwege de feller wordende ‘space race’. Hierdoor wijkt de film thematisch af van andere ‘man into space’ films, die dit motief alleen impliciet behandelden maar het goeddeels negeren ten bate van de wonderen van de wetenschap en de noodzaak van het ruimtereizen. De mensheid vormt, dankzij wetenschappelijke hoogmoed, een indringer in ‘the heavens’ en wordt gestraft voor zijn godslastering. Althans, dit is de redenatie van generaal Samuel Merritt, die verantwoordelijk was voor de bouw van het ruimtestation en de raket, en de eerste missie naar Mars leidt. Merritt heeft vanaf het begin van de reis sterke bedenkingen over de onderneming, aangezien het oorspronkelijk de bedoeling was naar de maan te gaan. Zijn superieuren besloten opeens het doel te veranderen terwijl de missie hier niet op berekend was. Tot zover zijn er geen religieuze bezwaren tegen de missie. Die bezwaren komen geleidelijk, als de raket met de ene na de andere catastrofe (ongelukken, botsingen met een asteroïde, verlies van bemanningsleden) geconfronteerd wordt. Dit overtuigt Merritt er hoe langer hoe meer van dat de missie vervloekt is vanwege de godslastering die de bemanning pleegt door te ver de ruimte te betreden. Uiteindelijk tracht hij er alles aan te doen om de missie te saboteren – hierbij Bijbelcitaten in het rond strooiend – waarbij hij zelfs moord niet schuwt.
Merritts transformatie van plichtsgetrouwe wetenschapper naar raaskallende godsdienstwaanzinnige wordt weinig onderbouwd. Het enige element dat Merritt in connectie brengt met religie is zijn Bijbel die hij leest tijdens de trip naar Mars. De film impliceert dat genoeg psychische tegenslag en teveel geloof in de Bijbel als Absolute Waarheid elk rationeel mens in een gewelddadige radicaal kunnen veranderen. Hier tegenover plaatst de film het beeld van de rationele mens die vertrouwt in wetenschappelijke vooruitgang, in de persoon van Merrits zoon, kapitein Barney Merritt. Ook hij ondergaat psychische druk door alle tegenslag, maar hij blijft geloven dat de wetenschap een oplossing voor alles kan bieden. Hij ontkent niet dat er een hogere macht in het spel kan zijn en benut dit ook in zijn argumentatie om zijn vader te overtuigen van de noodzaak van hun reis, getuige de volgende dialoog:

Barney: ‘I don’t remember you reading the Bible so often, sir.’
Generaal Merritt: ‘It’s the one book you never really get through reading. Man’s every move, his every thought, every action, is in there somewhere, recorded or predicted. Every move except this one. According to the Bible, Man was created on the Earth. Nothing is ever mentioned of his going to other planets. Not one blessed word.’
Barney: ‘Well, at the time the Bible was written, it wouldn't have made much sense, would it?’
Generaal Merritt: ‘Does it now? The Biblical limitations of Man's wanderings are set down as being the four corners of the Earth. Not Mars, or Jupiter, or infinity. The question is, Barney, what are we, explorers or invaders?’
Barney: ‘Invaders? Of what, sir?’
Generaal Merritt: ‘The sacred domain of God. His heavens. To Man, God gave the Earth, nothing else. This taking of... of other planets... it's almost like an act of blasphemy.’
Barney: ‘But why? They belong to no one else.’
Generaal Merritt: ‘We don't know that.’
Barney: ‘But look, sir, it couldn't be just an accident that at the very time when Man's resources on Earth are reaching an end, Man develops the ability to leave his own world and seek replenishment on other planets. The timing is what fascinates me: it's too perfect to be accidental.’
Generaal Merritt: ‘Those other planets might already be tenanted.’
Barney: ‘Oh, I don't think so... the universe was put here for Man to conquer.’

Qua religieuze overtuiging lijkt Merritt het meest op een overenthousiaste fundamentalistische evangelist die hardnekkig gelooft in de Bijbel als contextloos werk dat universele waarden voor alle tijden en situaties omvat en kritiekloos gehoorzaamd moet worden: tegenspraak wordt niet getolereerd. Het verschil van mening eindigt daarop in een conflict tussen vader en zoon, dat uitmondt in de dood van de vader die in een laatste sabotagepoging zijn zoon aanvalt, die vervolgens in zelfverdediging zijn waanzinnige vader neerschiet.
De argumentatie van zowel vader als zoon Merritt slaat terug op drijfveren tot ruimtereizen zoals ik die in Paragraaf 2.1 formuleerde. Ten eerste is er de reis naar de ruimte vanwege de bestaande mogelijkheid daartoe. In deze film heeft de mensheid de technologie om de ruimte in te trekken, maar wat is daartoe zijn reden? Volgens generaal Merritt is deze er niet, aangezien de mens op Aarde dient te blijven volgens Gods geschriften: de mens gaat de ruimte in omdat hij het kan, maar staat er niet bij stil of hij dat mag. Daarmee pleegt hij godslastering van de ergste soort, meent generaal Merritt:

Generaal Merritt: ‘Merritt speaking. Here's the report. Lost course for several days due to near-collision with asteroid, but we can still reach destination as planned... which may be Mars, or Hell. This voyage is a cursed abomination! If it were possible I'd come back now, return the ship to Earth and blow it up-’
Barney: ‘General, please!’
Generaal Merritt: ‘-together with all plans in existence for building another!
We're committing Man's greatest sacrilege! And we can't stop!’ [my emphasis]




Ten tweede is er de ruimtereis uit noodzaak, wat in het meningsverschil uiteindelijk wint. Deze drijfveer gebruikt Barney in zijn argumentatie: de grondstoffen op Aarde raken op, als de mens wil overleven moet hij nieuwe grondstoffen in de ruimte vinden. Gebeurt dit niet, dan zal de Aarde in een nieuwe Wereldoorlog terechtkomen in de strijd om grondstoffen. Een bemanningslid, de Japanse sergeant Imoto, gebruikt eerder dit argument om de noodzaak van de missie, en zijn trots eraan deel te mogen nemen, te onderstrepen. Zijn precieze bewoording is echter bizar uitgedrukt en maakt zelfs gebruik van racistische stereotypering. Het zegt meer over hoe Amerika destijds tegen de Japanners aankeek dan dat het een duidelijke onderbouwing geeft van de noodzaak de ruimte in te trekken op zoek naar grondstoffen:

Some years ago, my country chose to fight a terrible war. It was bad, I do not defend it, but there were reasons. Somehow those reasons are never spoken of. To the Western world at that time, Japan was a fairybook nation: little people living in a strange land of rice-paper houses... people who had almost no furniture, who sat on the floor and ate with chopsticks. The quaint houses of rice paper, sir: they were made of paper because there was no other material available. And the winters in Japan are as cold as they are in Boston. And the chopsticks: there was no metal for forks and knives and spoons, but slivers of wood could suffice. So it was with the little people of Japan, little as I am now, because for countless generations we have not been able to produce the food to make us bigger. Japan's yesterday will be the world's tomorrow: too many people and too little land. That is why I say, sir, there is urgent reason for us to reach Mars: to provide the resources the human race will need if they are to survive. [my emphasis]

Wat de bemanning aantreft op Mars, een dor onontgonnen terrein zonder spoor van leven, duidt op de ruimte als gebied voor grondstoffen en lijkt de afwezigheid van een goddelijke macht die tegen menselijke aanwezigheid kan zijn te bevestigen. Als een bemanningslid opnieuw opmerkt dat de hele missie vervloekt is door alle tegenslag wijst een ander hem op de levenloosheid van Mars en de hierdoor geïmpliceerde afwezigheid van God:

Only God can make a tree.” Okay? Where is it? Where's the trees, and the flowers, and the grass? Where's the water? You hear me? Where's the water?!

Desalniettemin, de bemanning ontkent niet dat God bestaat. Integendeel, ook Barney wijst in het eerste citaat op het feit dat de situatie te toevallig is om niet gestuurd te worden door een hogere macht. Een herhaling van zijn argument:

[…] it couldn't be just an accident that at the very time when Man's resources on Earth are reaching an end, Man develops the ability to leave his own world and seek replenishment on other planets. The timing is what fascinates me: it's too perfect to be accidental. [my emphasis]

In Barneys denkkader geeft deze macht toestemming aan de mensheid om de ruimte in te trekken en diens voortbestaan te waarborgen, wat blijkt uit de haast perfecte aaneenschakeling van omstandigheden. Dit argument kan beschouwd worden als een uiting van het geloof in de God die het Amerikaanse Ideaal steunt, de God die achter Amerika’s handelingen in de naam van democratie en vrijheid staat en zorg draagt voor Amerika’s overleven, en daardoor dat van de hele mensheid. In deze film wordt de verovering van de ruimte, ondanks de doorgaans negatieve connotatie van het woord ‘verovering’, niet gezien als een verkeerde daad, maar als noodzakelijk en indirect gesteund door God.
In tegenstelling tot in The War of the Worlds maakt Conquest of Space geen gebruik van religieuze symboliek (afgezien van het kruis als markeerpunt voor het graf van de generaal op Mars), maar is de discussie over de functie van religie alleen terug te vinden in de dialoog. De dialoog is precies datgene wat ten node gemist wordt tussen de verschillende kerken in de vijftiger jaren, en deze film spreekt dit thema (waarschijnlijk onbewust) aan ter illustratie van het gebrek aan samenwerking tussen de kerken. In een kritieke situatie, zij het fictief (de oprakende grondstoffen) of actueel (de dreiging van het communisme) is het juist noodzakelijk verdeeldheid - hetzij tussen kerken in de realiteit, of tussen de naties zoals de film weergeeft (de naties werken samen in de “verovering” van de ruimte door de mensheid) - opzij te zetten om samen te overleven, waarbij religie als bindmiddel en wetenschap als hulpmiddel moet dienen. Dit is het punt dat Conquest of Space lijkt te willen maken, maar door de eenzijdige negatieve representatie van de aanvankelijk rationele generaal die onder druk in een redeloze fanatiekeling verandert waarschuwt de film eerder voor de gevaren van het blind vertrouwen in de Bijbel.
How far is too far?’, luidt de tagline van de film. Het antwoord hierop schuilt niet in de vorderingen van de technologische ontwikkeling of het verkennen van de ruimte, maar in de grenzen van het geloof. Een degelijke balans tussen vertrouwen in de vooruitgang en religie is goed mogelijk (zoals Barneys perspectief aantoont), tenzij men te ver gaat in het letterlijk nemen van de bronnen van religie, waarop radicale geloofsbelijdenis een belemmering vormt voor het welzijn van de mensheid.



1 Sobchack, Vivian. ‘The alien landscapes of the planet Earth: science fiction in the fifties.’, in: Atkins, Thomas R. Science Fiction Films. New York: Monarch Press, 1976: p. 51
2 Dit is een reden dat ik het ‘man into space’ subgenre niet in mijn BA-scriptie behandelde. Naast het feit dat ik het te laat distantieerde van de andere subgenres wist ik niet goed hoe ik de geportretteerde toekomstbeelden voldoende kon laten aansluiten met onderzoek naar de samenleving in de jaren vijftig zelf, die duidelijker gerepresenteerd werd in de andere subgenres. Deze fout hoop ik hier goed te maken.
3 Brosnan, John. Future tense: the cinema of science fiction. New York: St. Martin’s Press Inc., 1978: p. 81-82
4 Ellwood 1997: p. 186
5 Ellwood 1997: p. 175
6 Lucanio, Patrick. Them or us: archetypal interpretations of fifties alien invasion films. Indianapolis: Indiana University Press, 1987: p. 88
7 Lucanio 1987: p. 88
8 De precieze datum wordt in de film zelf niet genoemd, maar het is ongetwijfeld niet in de jaren vijftig. Brosnan beweert dat het ‘set in the 1980s’ is (Brosnan 1978: p. 79); ook op IMDb wordt dit vermeld.
9 Pal maakte o.a. gebruik van technisch advies van Wernher von Braun (ontwerper van de Duitse V-2 raket). Brosnan 1978: p. 81
10 Pal en Haskin zijn zeer wisselvallig in hun weergave van de relatie tussen wetenschap en religie. Als hun hele repertoire aan sciencefictionfilms van de vijftiger jaren in beschouwing wordt genomen lijken ze geen eenduidige mening over deze relatie te hebben. In Destination Moon is, op een enkele opmerking na, geen sprake van religie: wetenschap voert de boventoon en helpt Amerika als eerste de maan te bereiken. When Worlds Collide gebruikt daarentegen op verschillende momenten Bijbelse spreuken om het Apocalyptische gehalte van de film te benadrukken. In deze film vormt wetenschap het middel dat de laatste restanten van de mensheid naar een nieuw thuis in de ruimte voert, als een metafoor voor de Ark van Noach. Hier kunnen wetenschap en religie dus vreedzaam samengaan en vormt wetenschap tot op zekere hoogte een eigen religie (zie Hoofdstuk 5). Daarop volgt The War of the Worlds, die een grimmig beeld van falende menselijke wetenschap schetst, naast een schokkende metafoor voor de overdaad aan wetenschappelijke kracht in haar representatie van de zeer geavanceerde maar onethische Martianen. In deze film wordt de mensheid slechts gered door zich tot God te wenden (‘divine intervention’). Tenslotte volgt Conquest of Space waarin wetenschap als een hulpmiddel voor het overleven van de mensheid wordt beschouwd, dat door sommige gelovigen wordt omarmd (in de persoon van Barney), maar door anderen als godslasterlijk wordt gezien (Generaal Merritt). Het lijkt erop dat Pal en Haskin geen specifieke opvatting prefereren maar iedereen te vriend willen houden door zowel religie als wetenschap multi-interpretabel te laten.